HENRI MATISSE|10 MIN DE LECTURA

Guía de las obras de Henri Matisse

Son imágenes que probablemente ya has visto y que fueron cambiando durante su creación. En 1935 llegó una nueva modelo al estudio de Niza. El cuadro que la muestra dormida se fotografió en cada etapa, de modo que aún podemos seguir las decisiones que le dieron forma.

AUTOR Moryarty

«La alegría de vivir», por Matisse — Henri Matisse, dominio público, a través de Wikimedia Commons

A Henri Matisse se le suele presentar por etapas: los años fauvistas, los interiores decorativos y los recortes de su última década. Su obra, sin embargo, nunca se ajustó a esas etapas. Una postura, una manga y una hoja azul reaparecen en su pintura, su obra gráfica y sus papeles recortados. Las seis obras de Henri Matisse que reunimos aquí siguen ese hilo de 1935 a 1952. Cada una de sus historias cuenta quién posó para ella, cómo la modificó o cómo se imprimió y en qué museo o colección se conserva hoy.

La historia va desde la llegada de una nueva modelo al estudio de Niza en 1935 hasta los cuatro «Desnudos azules» que recortó en 1952. La fotografía nos permite seguirla: desde 1935, Matisse hacía fotografiar cada etapa de sus lienzos para comprobar cómo avanzaba el trabajo. Se conservan las fotografías de «Le Rêve» y de «La Blouse roumaine», un cuadro que pintó cinco años después. La obra gráfica llevó después sus creaciones más allá del caballete: Edmond Vairel imprimió las láminas de «Jazz» con las pinturas al gouache Linel que se habían usado en las maquetas, y Mourlot imprimió en París el cartel de Niza. Hoy estas obras se conservan en museos: el Centre Pompidou posee los dos cuadros, la maqueta de «Le cirque» y dos de los «Desnudos azules», mientras que el Museo de Arte Moderno de Nueva York conserva la litografía de Niza.

«Le Rêve» y la nueva modelo que cambió la obra de Matisse

Matisse empezó «Le rêve» (1935) en Niza el 1 de abril de 1935 y lo terminó el 14 de mayo. Esas seis semanas marcan el comienzo de algo más amplio: 1935 fue el año en que Lidia Delektórskaya empezó a posar para él a diario. La mujer que duerme en este cuadro es ella, en una postura a la que volvería una y otra vez. A lo largo de sus años con Matisse, posó para más de cien dibujos y bocetos y unos noventa cuadros. Esta figura relajada pertenece a los primeros trabajos de aquella larga colaboración.

La ficha del cuadro en el Centre Pompidou señala que el encuentro con esta modelo cambió la manera de mirar de Matisse y que su postura relajada ya aparece en el primer dibujo que hizo de ella. La serenidad que el museo encuentra en el rostro se extiende por todo el lienzo.

Se conservan fotografías de seis etapas del cuadro que documentan cambios importantes. De una etapa a otra, la figura fue creciendo hasta rebasar el borde del lienzo.

Su pareja, pintada al mismo tiempo, fue «Le Nu rose», el lienzo que el Centre Pompidou considera el más importante de aquel año y que hoy se encuentra en el Museo de Arte de Baltimore. El museo interpreta «Le rêve» como un paso hacia ese cuadro de mayor tamaño. Ambos comparten la tela a cuadros del diván y la combinación de azul y rosa. Al describir la versión final, el museo explica que el cuerpo rosa aparece como una forma que se destaca sobre el fondo azul, mientras que los elementos azules del fondo también funcionan como formas independientes.

Después, el cuadro tuvo una trayectoria que podemos seguir en los documentos. En 1947 viajó desde la galería Pierre Matisse de Nueva York hasta una exposición en el Palacio Papal de Aviñón. Veintiún años más tarde, en la retrospectiva de Matisse de 1968 en la Hayward Gallery de Londres, se expuso con el título «El sueño». Por entonces pertenecía a la colección de Pierre Matisse y su esposa.

En 1979 lo compró el Museo Nacional de Arte Moderno de París, y desde entonces forma parte de la colección del Centre Pompidou. En 1940 Matisse pintó otro cuadro titulado «Le Rêve», por lo que la fecha de 1935 permite identificar este.

Cómo una blusa rumana bordada se convirtió en «La Blouse roumaine»

La ficha del Centre Pompidou señala que Matisse coleccionaba tejidos artesanales y que le conmovía la belleza gráfica de sus motivos. Ese interés se aprecia en los dibujos a pluma publicados en Cahiers d'art en 1936, donde la modelo ya lleva una blusa de mangas anchas bordadas. Un texto del museo reproducido por Sarah Aaronson indica que las blusas que inspiraron este grupo de obras procedían de su amigo Pallady. Las blusas campesinas rumanas habían estado de moda en el París de los años veinte, en parte porque las llevaba la reina Marie de Rumania.

Pintó «La blusa rumana» (1940) en el Hôtel Régina de Niza entre diciembre de 1939 y abril de 1940. La modelo original fue Lidia Delektórskaya, aunque a lo largo de los años se han propuesto otras mujeres como inspiración, entre ellas Elvira Popescu, Elena Văcărescu, Anna de Noailles y Marthe Bibesco. Al principio, el cuadro tenía un fondo de flores y una modelo con rizos castaños y bucles a la moda de la época. Vestía lo que Matisse describió como «una preciosa blusa rumana antigua, bordada en punto de cruz de color rojo envejecido».

Matisse hacía fotografiar cada etapa de sus cuadros desde 1935, y este lienzo dejó el registro más completo de aquella costumbre: cada fase quedó fijada en una fotografía conforme avanzaba. Poco a poco desapareció la decoración, los motivos se simplificaron y los tonos se organizaron en superficies planas, hasta que un óvalo liso sustituyó los rasgos de la modelo. Lo que no desapareció fue la blusa. El Centre Pompidou considera que el bordado es el verdadero tema del pintor en esta obra. Esa es la sutil paradoja del cuadro: empezó con la mujer como tema y terminó con la blusa como protagonista.

Cuando se expuso el cuadro, las fotografías se colgaron a su lado. En diciembre de 1945, la nueva Galería Maeght inauguró su programación en París con seis cuadros de Matisse, su primera exposición en la ciudad. Este lienzo se mostró junto a las fotografías fechadas de sus trece etapas, enmarcadas como si fueran cuadros por derecho propio.

François Campaux convirtió después las fotografías en una película que las muestra una tras otra y permite seguir paso a paso la creación del cuadro.

En el piso de Matisse en el bulevar Montparnasse, el lienzo colgaba haciendo pareja con el cuadro de 1940 también titulado «Le Rêve», uno a cada lado de una obra anterior. Su incorporación a las colecciones nacionales se hizo en dos fases: primero llegó como depósito temporal, en sustitución de un cuadro que había salido en préstamo, y después como donación, formalizada por el artista el 21 de octubre de 1949. El Estado registró la asignación de la obra en 1953, y desde entonces «La Blouse roumaine» pertenece al Centre Pompidou, Museo Nacional de Arte Moderno.

El cuadro ha tenido una segunda vida en la moda. Yves Saint Laurent dio el nombre de «La Blouse roumaine» a una colección de 1981, y tanto Jean Paul Gaultier como Tom Ford han creado colecciones a partir de su imagen. Con el Centre Pompidou cerrado por obras, el lienzo viaja al Dutch Heritage Amsterdam de Ámsterdam para la exposición «Chez Matisse». Es solo la segunda vez que el Pompidou lo presta.

«El circo» y los planes de Tériade para «Jazz»

En el verano de 1941, Tériade, el editor nacido en Grecia cuyo verdadero nombre era Efstratios Eleftheriades, ya había propuesto a Matisse un libro en color. Describía la idea como un manuscrito iluminado moderno. El libro que acabaría siendo «Jazz» tuvo primero otro título, y la imagen que hoy conocemos como «El circo» (1947) es una de sus láminas.

Para entonces, la situación de Matisse había cambiado radicalmente. El cáncer que le diagnosticaron en 1941 y la operación posterior lo obligaron a permanecer en una silla o en la cama. Tenía 74 años cuando empezó a trabajar en el libro. Ya no podía pintar ni esculpir como antes, así que repartió el trabajo con sus ayudantes: ellos pintaban hojas de papel con gouache y Matisse las recortaba. Las tijeras sustituyeron al pincel, y podía trabajar el papel desde una silla.

La maqueta de la lámina del circo está fechada en julio de 1946 y comparte la técnica de todas las imágenes de «Jazz»: papel pintado con gouache, recortado y pegado sobre papel montado en lienzo. Es posible que estuviera destinada a la cubierta del libro, aunque los registros lo plantean como una posibilidad, no como un hecho confirmado. Lo que sí se sabe es su posición final: lámina II, la primera imagen a página completa que aparece en «Jazz».

Tantas de las primeras imágenes mostraban artistas de circo que el libro se concibió inicialmente como «Le Cirque». Después se incorporaron temas que no tenían nada que ver con el circo, y el título se cambió por «Jazz». Según Matisse, las imágenes habían surgido de lo que llamaba recuerdos cristalizados de circos, cuentos populares y viajes. La página del circo deja ver por qué tenía sentido el primer título: una amplia superficie azul, un acróbata negro dentro de una zona blanca inclinada, una franja amarilla con letras rojas y negras dispersas y letras naranjas que caen por el azul.

Las láminas impresas debían respetar los tonos de los recortes: esa era la única condición de Matisse. Tériade eligió el pochoir, la impresión con plantillas, que permitía usar las mismas pinturas al gouache Linel de las maquetas. El colorista Edmond Vairel se encargó de esa impresión, mientras que Draeger Frères imprimió las páginas con el texto manuscrito de Matisse.

«Jazz» apareció el 30 de septiembre de 1947 en dos formatos: 250 libros, con las láminas intercaladas entre los textos manuscritos del artista, y 100 carpetas que contenían solo las láminas. El Instituto de Arte de Chicago compró su ejemplar de la página del circo en mayo de 1948 al marchante Pierre Berès, que lo había recibido del artista y del editor. La maqueta original, el objeto que Matisse recortó con sus propias manos, ingresó en el Centre Pompidou en 1985 mediante una dación en pago, una entrega aceptada para saldar impuestos, como parte del conjunto de maquetas de «Jazz».

«Nice, Travail et Joie», de bodegón a cartel turístico

La oficina de turismo de Niza encargó a Matisse un cartel para promocionar la ciudad, según la galería de carteles vintage Galerie 123. La Biblioteca del Congreso registra el cartel de 1947 como una publicación del Syndicat d'Initiative de Nice y de la Union Méditerranéenne pour l'art moderne.

No pintó una imagen nueva para el cartel. Según Galerie 123, «Niza, trabajo y alegría» reutiliza su cuadro de 1947 «Nature morte aux grenades, Vence». El cartel añade a la imagen pintada las palabras manuscritas «Nice, Travail & Joie». Las palmeras, la fruta y el plato son, ante todo, un bodegón; las letras los convierten en una invitación.

El taller Mourlot imprimió el cartel litográfico en París.

Un ejemplar de la tirada acabó en una colección que quizá te sorprenda: la litografía se conserva en el departamento de Arquitectura y Diseño del Museo de Arte Moderno de Nueva York, como donación de G. E. Kidder Smith.

Cómo hizo Matisse «Nu bleu II»

«Nu bleu II» forma parte de los cuatro «Desnudos azules» de 1952. Los hizo en Niza, en el amplio estudio del Hôtel Régina, y los hizo deprisa: «Nu bleu I», «Nu bleu II» y «Nu bleu III» surgieron uno tras otro, cada uno en unas pocas horas. Los números no siguen el orden en que creó las obras.

Los números tampoco dan idea de cuánto trabajo de dibujo hubo antes del recorte. La serie llegó después de un periodo de frustración. Matisse dejó las tijeras, dibujó una y otra vez un desnudo femenino sentado y solo entonces volvió a recortar. La postura se remontaba a las figuras sentadas que ya había explorado en la pintura y la escultura, con ejemplos de décadas atrás: «Nu assis, Olga» (1910) y la segunda versión de «Vénus à la coquille» (1932).

Lidia Delektórskaya, que estuvo a su lado durante la serie, recordaba que cada «Desnudo azul» se recortó en un día distinto, de una sola pasada de tijera, en diez o quince minutos como máximo. El Centre Pompidou señala que «Nu bleu I», «Nu bleu II» y «Nu bleu III» se hicieron, cada uno, en unas pocas horas.

Los huecos entre las formas marcan las articulaciones del cuerpo y dan sensación de volumen al papel plano, como cuando una pierna flexionada cruza por delante del muslo de la otra. La figura, recortada de una sola hoja, permite imaginar cómo esos huecos volverían a cerrarse. Las formas azules recortadas encajan entre sí sobre un fondo beige cálido, con bordes nítidos.

«Nu bleu II» ingresó en el Centre Pompidou en 1984 y hoy se conserva en el Museo Nacional de Arte Moderno de París. La exposición de 2014 «Henri Matisse: los recortes», presentada conjuntamente por el MoMA y la Tate Modern, incluyó «Nu bleu II».

Por qué «Nu bleu III» es una obra acabada

«Nu bleu III», como sus dos compañeros en la secuencia, tomó forma en unas pocas horas en 1952. La hoja lleva la firma y la fecha H MATISSE 52.

El Centre Pompidou, propietario de la obra, lo explica con claridad: en los «Desnudos azules», la técnica del recorte sigue siendo plenamente visible y se presenta como una forma de arte en sí misma. Los bordes conservan la huella de las tijeras, las piezas mantienen los huecos que las separan y la silueta de azul intenso se percibe a la vez como un cuerpo y como un papel recortado.

El museo compró «Nu bleu III» en 1982, y desde entonces el original forma parte de la colección del Museo Nacional de Arte Moderno de París.

Los cuatro «Desnudos azules» volvieron a reunirse en el Grand Palais para «Matisse, 1941–1954», que abrió el 15 de junio de 2018.

Para una habitación tranquila de la casa, como un dormitorio, elegiríamos la figura dormida de «Le Rêve». Si alguna de estas seis obras ha cambiado tu manera de mirar una pared de tu casa, nuestra colección de Henri Matisse reúne los recortes, la blusa y la figura dormida en un mismo lugar.

¿Sabías que…?

En 1952, Matisse hizo el friso de 16 metros «La Piscine» por puro placer.
En el verano de 1952, Matisse y Lidia Delektórskaya fueron a una piscina pública de Cannes simplemente para ver a la gente lanzarse al agua.
El escultor Constantin Brancusi era famoso por presentarse en las fiestas de Montparnasse vestido de campesino rumano.
En el Hôtel Régina fijaron una franja ancha de papel blanco alrededor de las paredes de su comedor, revestidas de arpillera, justo por encima de la cabeza de Matisse.
«La Blouse roumaine» figura en los registros con otros títulos, entre ellos «Jeune fille: la blouse roumaine», «La blouse paysanne» y «La Blouse paysanne roumaine, fond rouge».
Matthew Gale, responsable de exposiciones de la Tate, ha señalado que los recortes de Matisse se consideraban infantiles en el clima artístico de su época.
Matisse también hizo litografías tituladas «Nu bleu», basadas en los estudios de figuras recortadas. Había completado la mitad de la serie cuando murió en 1954.

Preguntas sobre el arte de Matisse

¿Cuál es el estilo artístico de Henri Matisse? Matisse fue uno de los líderes de los fauves, el grupo de pintores de París que liberaron el color de la obligación de describir las cosas y dejaron que sostuviera el cuadro por sí solo. El color, la línea y los motivos planos lo acompañaron durante el resto de su larga vida. Los recortes son la expresión tardía de ese mismo impulso: el gouache daba el color y las tijeras trazaban la línea.

¿Cómo hacía Henri Matisse sus recortes? Sus ayudantes pintaban primero hojas de papel con gouache y después Matisse recortaba directamente el color con las tijeras.

¿Qué enfermedad tuvo Henri Matisse? A Matisse le diagnosticaron cáncer de estómago en 1941. Después de la operación, creó obras recortando a mano hojas de papel pintadas, la técnica de los «Desnudos azules».

¿Por qué es tan famosa «La Blouse roumaine»? En parte, porque se dio a conocer su proceso de creación. Las trece etapas fotografiadas se colgaron junto al lienzo acabado en la primera exposición parisina de la Galería Maeght, en 1945, y la película de François Campaux permitió ver cómo el cuadro se iba simplificando. Después llegó la moda: Yves Saint Laurent dio su nombre a una colección de 1981. El propio Matisse volvió una y otra vez al tema y pintó diez versiones entre 1939 y 1945.

¿Dónde puedo ver los «Desnudos azules» de Matisse? Tanto «Nu bleu II» como «Nu bleu III» están en París, en la colección del Museo Nacional de Arte Moderno del Centre Pompidou. Los cuatro volvieron a reunirse en el Grand Palais para la exposición «Matisse, 1941–1954». En la Tate Modern, la exposición de recortes reunió el mayor número de «Desnudos azules» jamás vistos en una única muestra.

¿Cómo hacemos nuestros pósters de Matisse? Restauramos cada obra a mano y conservamos su diseño y sus colores originales. La imprimimos en nuestro taller de Barcelona, en papel mate fine art de 230 g/m² y con tintas pigmentadas de calidad archivística. Mantenemos precios asequibles porque creemos que el arte no debería estar reservado a quienes tienen ingresos altos. Encontrarás los detalles sobre pedidos, marcos y envíos en las preguntas frecuentes.

Sobre el autor

Moryarty se fundó en 2015 y cuenta con más de 2.000 pósters vintage procedentes de museos, bibliotecas y colecciones. Restauramos cada obra a mano sin cambiar sus colores y la imprimimos en nuestro propio taller de Barcelona, en papel mate fine art. Los pósters de Matisse, con sus tonos planos y bordes recortados, se benefician de ese cuidado más que la mayoría de los demás. Escribimos sobre las obras porque conocer sus historias es la mitad del placer de colgarlas.

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