HILMA AF KLINT|10 MIN DE LECTURA

El arte de Hilma af Klint y su significado

Una pintora sueca dedicó años a crear cuadros que, según creía, solo se entenderían después de su muerte. Cuando por fin llegaron a los museos, cambiaron la historia del arte abstracto.

AUTOR Moryarty

Vista de una exposición de Hilma af Klint en el Museo Solomon R. Guggenheim. — Ryan Dickey, de Evanston / Chicago, Estados Unidos, CC BY 2.0, a través de Wikimedia Commons

El arte de Hilma af Klint permaneció guardado en cajas durante la mayor parte del siglo XX. La pintora sueca terminó algunos de los cuadros abstractos más ambiciosos de principios del siglo XX y pidió a su familia que no los mostrara hasta veinte años después de su muerte, porque creía que su época aún no estaba preparada para ellos. Llamó al gran proyecto del que formaban parte «la obra de su vida»: «Pinturas para el templo», un ciclo de 193 pinturas y dibujos realizados entre 1906 y 1915 para un templo que nunca llegó a construirse.

Aquí aparecen siete de esas obras. Cinco pertenecen a «Los diez mayores», la serie de 1907 en la que pintó las cuatro etapas de la vida humana mediante enormes formas flotantes. Las otras dos son de 1915, el año en que culminó su proyecto espiritual con el grupo de «La paloma» y los tres «Retablos». Juntas muestran qué entendía por abstracción y por qué estaba convencida de que pertenecía a un futuro que no llegaría a ver.

Por qué «Los diez mayores, infancia, n.º 2» no se mostró durante décadas

Hilma af Klint pintó «Los diez mayores, infancia, n.º 2» en 1907, y con esta obra se abre el relato de una vida. La serie recorre por parejas cuatro etapas: comienza con la infancia, continúa con la juventud y la edad adulta, y termina con la vejez. El n.º 2 es el segundo cuadro dedicado a la infancia. Grandes formas redondeadas flotan y se entrelazan en tonos azules, rosas, naranjas, amarillos y blancos, con pequeños signos parecidos a glifos dispersos entre las curvas. La artista lo tituló «De tio största, nr 2, Barnaåldern, grupp IV».

Cuando lo pintó, af Klint tenía cuarenta y tantos años y una formación sólida. Había estudiado en la Real Academia Sueca de Bellas Artes durante la década de 1880 y se ganaba la vida en Estocolmo como paisajista y retratista.

Murió en 1944, y su sobrino Erik af Klint heredó más de 1.000 obras y algo más de 125 cuadernos.

Los cuadros de la infancia no se mostraron porque así lo había pedido ella. Dejó a su sobrino la instrucción de mantener las obras abstractas en privado durante veinte años después de su muerte, porque creía que su época aún no estaba preparada para ellas.

En 1970 se ofreció la colección completa como donación al Moderna Museet de Estocolmo, y el museo la rechazó.

El reconocimiento llegó poco a poco, y tarde. Las obras quedaron al cuidado de la Fundación Hilma af Klint. En 2022, el Moderna Museet de Estocolmo expuso la serie completa de «Los diez mayores» por primera vez desde 2013, con «Infancia, n.º 2» entre ellas. Junto a los grandes cuadros se mostraron acuarelas y un conjunto completo de fotografías coloreadas a mano de las diez pinturas, que revelaban cómo af Klint había seguido estudiando su propia obra mucho después de 1907.

¿Cómo pintó Hilma af Klint «Los diez mayores, n.º 3, juventud» en cuarenta días?

«Los diez mayores, n.º 3» es uno de los dos cuadros dedicados a la juventud, y su origen tiene una historia singular. Af Klint contó que sus guías espirituales le habían pedido diez pinturas de una belleza paradisíaca que permitieran al mundo vislumbrar las cuatro etapas de la vida. El n.º 3 responde a esa petición con tonos naranjas, amarillos, azules y negros: espirales superpuestas y formas semejantes a pétalos flotan sobre un fondo naranja luminoso, sin un único punto focal, como si la propia juventud tuviera demasiada energía para quedarse quieta.

Comenzó la serie en otoño de 1907 y terminó los diez cuadros en cuarenta días. Cornelia Cederberg y Gusten Andersson, dos integrantes de su círculo, la ayudaron a pintarlos.

Trabajaron en Hamngatan 5, en Estocolmo, en un estudio que compartía con Lotten Rönnqvist y Alma Arnell.

Pintó la serie al temple sobre papel, que más tarde se montó sobre lienzo. Era la misma técnica de los retablos renacentistas que había admirado en Florencia durante un viaje a Italia unos años antes. Esa elección vincula la serie con aquellas pinturas religiosas. La serie estaba destinada a un templo que nunca llegó a construirse.

Cada original mide unos 3,2 metros de altura, y af Klint quería que los diez se colgaran juntos formando un círculo.

El original sigue en la Fundación Hilma af Klint, en Estocolmo. Este ciclo plenamente abstracto de 1907 apareció años antes de que la abstracción formara parte del relato más conocido del arte moderno. Una reproducción en formato póster conserva su fondo naranja luminoso y sus espirales flotantes.

¿Cómo influyeron las sesiones espiritistas de Las Cinco en «Los diez mayores, n.º 7, edad adulta»?

En 1896, af Klint fundó con otras cuatro mujeres un círculo llamado Las Cinco. Celebraban sesiones espiritistas, practicaban la escritura y el dibujo automáticos, e intentaban contactar con seres a los que llamaban los Altos Maestros. Años antes de la primera pintura del templo, af Klint aprendió en este grupo que una mano podía moverse sobre el papel y producir trazos que nadie había planeado.

Esa práctica se refleja en su relato sobre los cuadros posteriores. Decía que se pintaban directamente a través de ella, sin dibujos previos y con gran fuerza. Según ella, no inventaba las imágenes, sino que las recibía.

Af Klint pintó en 1907 «Los diez mayores, n.º 7», que tituló «Grupp IV, De tio största, nr 7, Mannaåldern». Pertenece a los cuatro cuadros dedicados a la edad adulta. Trabajó sobre grandes hojas de papel que después se montaron sobre lienzo. Por su tamaño, lo más probable es que cada hoja estuviera extendida en el suelo del estudio mientras pintaba. El n.º 7 comparte el fondo morado de los cuatro cuadros de la edad adulta, con acentos verdes y rojos en formas que describen bucles.

En la pintura original se repiten las letras u, w y s, junto a la palabra vestalasket, que significa asceta vestal.

La fundación que conserva su obra custodia el cuadro en Estocolmo. La serie completa se expuso en el Moderna Museet Malmö del 4 de abril de 2020 al 11 de abril de 2021. Allí los diez cuadros se colgaron juntos, tal como af Klint había querido que se contemplara la serie.

¿Qué significaba la edad adulta en «Los diez mayores, n.º 8» y cómo se dio a conocer el cuadro?

«Los diez mayores, n.º 8», pintado en 1907, cierra los cuatro cuadros de la edad adulta. La serie dedica cuatro pinturas a esta etapa, mientras que la infancia, la juventud y la vejez reciben dos cada una, como si la parte central de una vida necesitara más espacio. El n.º 8 presenta las mismas letras, trazos curvos y formas geométricas que sus tres compañeros, pero con una energía más serena: dominan los tonos rosas suaves, avivados por amarillos y azules.

Para af Klint, la edad adulta no consistía en contar cumpleaños. Le interesaba más el desarrollo espiritual y mental que el crecimiento físico. Por eso, los cuatro cuadros de esta etapa tratan de lo que cambia dentro de una persona, no de lo que cambia a su alrededor.

El público llegó a comprender el n.º 8 gracias al acceso gradual a su legado. La Fundación Hilma af Klint se creó en 1972 para dar a conocer la enorme colección y fue el primer paso para que la herencia privada de la familia se abriera al resto del mundo.

El verdadero redescubrimiento llegó en 1986, cuando la exposición «Lo espiritual en el arte: pintura abstracta 1890-1985» incluyó su obra, que seguía siendo en gran medida desconocida, y la situó en la historia general de la abstracción. Aquella exposición formó parte del contexto en el que empezaron a reconocerse pinturas como el n.º 8.

Para 2018, el cuadro ya había llegado a uno de los museos más importantes del arte moderno. El n.º 8 se mostró junto a las otras pinturas de la edad adulta en el Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York, en la exposición «Hilma af Klint: Pinturas para el futuro». El original sigue en la Fundación Hilma af Klint, en Estocolmo, que presta las obras a las exposiciones que las han hecho famosas.

¿Qué significa la vejez en «Los diez mayores, n.º 9»?

«Los diez mayores, n.º 9, vejez» abre la última pareja de la serie. Af Klint lo pintó en 1907. En este punto de la serie, las formas orgánicas y juguetonas de los cuadros anteriores dan paso a la simetría y la geometría, a medida que el ciclo llega a la vejez. El fondo rosa luminoso está lleno de espirales, formas semejantes a pétalos y emblemas simbólicos que flotan y se conectan entre sí. Sus contornos nítidos dan al conjunto una energía serena y estable.

Af Klint dejó notas sobre lo que esta etapa significaba para ella. Más tarde escribió que esta imagen trataba de una divinidad que había integrado tanto el principio masculino como el femenino. La nota describe la vejez como esa unión: los principios masculino y femenino reunidos en una sola divinidad.

El cuadro se fue asentando en la historia del arte con las sucesivas revisiones. «Los diez mayores» formó parte de la exposición de 2013 «Hilma af Klint, una pionera de la abstracción», que volvió a examinar quién había iniciado realmente la pintura abstracta y cuándo.

En 2018, la serie llegó al Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York, donde se mostró en «Pinturas para el futuro» y ocupó la primera sala. El n.º 9 sigue en la fundación de Estocolmo que cuida de su obra.

«La paloma, n.º 1» y el significado cristiano de sus pinturas para el templo

Af Klint comenzó «La paloma, n.º 1» en 1915, en la fase final de «Pinturas para el templo». Frente a las amplias formas orgánicas de «Los diez mayores», este cuadro presenta una estructura muy definida: varios ejes simétricos atraviesan una forma circular central, rodeada de figuras geométricas más pequeñas. Todo aparece en tonos rosas suaves, amarillos delicados, grises apagados y marrones terrosos, con una luminosidad tenue y serena.

El camino hacia esta última fase pasó por una decepción. En 1908, Rudolf Steiner, el pensador austriaco cuya obra estudiaba, recibió con frialdad las pinturas del templo. Af Klint no volvió a pintar cuadros abstractos hasta 1912 y dedicó parte de esa pausa a cuidar de su madre, que era ciega.

Cuando retomó el proyecto, los símbolos cristianos habían cobrado más peso. El grupo de «La paloma» pertenece a esta nueva orientación: en sus obras, la paloma representa al Espíritu Santo, y la lucha entre el bien y el mal se representa con el combate de san Jorge contra el dragón. Af Klint escribió en sus notas que san Jorge era uno de sus álter egos.

«La paloma, n.º 1» se expuso en la sala 203 del Museo Guggenheim Bilbao. El cuadro pertenece a la fundación de Estocolmo que custodia el legado de af Klint y lo presta para exposiciones.

El templo en espiral que proyectó para «Retablo, n.º 1»

Af Klint terminó «Retablo, n.º 1» en 1915 como parte del grupo de tres obras que cierra «Pinturas para el templo». El título que le dio, «Grupp X, nr 1, Altarbild», lo identifica claramente como una pintura para un altar. En estos tres cuadros utilizó pan de metal, un material tradicional del arte sacro. En el n.º 1, un círculo radiante ocupa el centro de una composición vertical: amarillo luminoso sobre un fondo negro intenso, con acentos azules, rojos y morados.

El proyecto comenzó con un encargo concreto. Según contó af Klint, durante una sesión espiritista de 1906, un guía espiritual llamado Amaliel le encargó la obra. Aceptó de inmediato y la llamó la gran obra que debía realizar en su vida. Siguieron ocho años de pintura para un templo que nunca llegó a construirse.

Af Klint llevó un cuaderno entre 1930 y 1931 en el que describe el templo con detalle: un edificio circular de varias plantas, donde los visitantes subirían por un recorrido en espiral hasta una sala con un altar en lo alto. Esa sala albergaría los tres «Retablos». Nunca construyó el templo, pero lo proyectó con la precisión de una arquitecta.

Los tres cuadros se relacionan con una visión teosófica de la evolución, que asciende de lo físico a lo espiritual y desciende de lo divino a lo material. De los tres, el n.º 1 representa el ascenso; su compañero, el n.º 2, con su triángulo oscuro invertido, hace bajar lo celestial a la tierra.

De octubre de 2018 a abril de 2019, el cuadro se expuso en el Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York, en «Pinturas para el futuro». La rampa en espiral del museo ofreció al n.º 1 y a sus compañeros un entorno excepcionalmente parecido al templo no construido que af Klint había imaginado casi noventa años antes.

Más de 600.000 personas vieron aquella exposición, que se convirtió en la más visitada de la historia del Museo Solomon R. Guggenheim. El cuadro pertenece a la fundación de Estocolmo, que lo presta a exposiciones de todo el mundo.

Las siete obras aquí reunidas reflejan una misma convicción: que un cuadro puede transmitir un mensaje a través del tiempo, desde una pintora hasta un público al que nunca conoció. Af Klint creía que su siglo aún no estaba preparado para sus pinturas. La infancia abre el recorrido vital, «La paloma» plantea una lucha entre el bien y el mal, y «Retablo» señala hacia lo alto desde un templo que nunca llegó a construirse. Lo que perdura, tanto en las paredes de los museos como en un póster de Hilma af Klint en tu propia casa, es la sensación de que su mensaje estuvo dirigido a nosotros desde el principio.

¿Sabías que…?

Af Klint pintó las primeras 111 pinturas del templo entre noviembre de 1906 y abril de 1908, aproximadamente una cada cinco días.
Tras terminar los tres «Retablos», añadió una pequeña obra más, «Castidad humana, pintura final», aunque consideraba que los «Retablos» eran el cierre.
Nació en el Palacio Karlberg de Estocolmo el 26 de octubre de 1862.
Murió en 1944, el mismo año que Vasili Kandinski, Mondrian y Edvard Munch.
Conocía la «Teoría de los colores» de Goethe, publicada en 1810.
Algunas obras de «La paloma» incluyen planetas con anillos, símbolos astrológicos y números, con acentos metálicos que recuerdan a los iconos medievales.
Pintó «Los diez mayores» al temple sobre grandes hojas de papel que después se montaron sobre lienzo.

Preguntas sobre las pinturas de Hilma af Klint

¿Qué significa el arte de Hilma af Klint? Sus cuadros abstractos son un registro de mensajes espirituales. Creía que las formas, las letras y los colores procedían de sus guías, no de su propia invención, y conservó más de 125 cuadernos junto a las pinturas. Sus ideas místicas se apoyaban en las enseñanzas espiritistas de Helena Blavatsky y también en las de Rudolf Steiner. Un mismo cuadro puede funcionar a la vez como composición de color y como mensaje.

¿Qué estilo tiene el arte de Hilma af Klint? Con los años, las pinturas del templo pasan de grandes formas orgánicas, llenas de espirales y pétalos, a una geometría más estricta, cercana al diagrama. Se repiten las letras y los emblemas simbólicos, y las obras tardías a veces parecen esquemas de una religión privada. En 1906 ya había desarrollado este lenguaje de imágenes simbólicas, antes del nacimiento del arte abstracto tal como suele contarse.

¿Cuáles son las pinturas más famosas de Hilma af Klint? «Los diez mayores», de 1907, es la serie que la mayoría conoce primero: diez cuadros de más de tres metros de altura que recorren la infancia, la juventud, la edad adulta y la vejez. Los tres «Retablos» de 1915 resumen todo el proyecto del templo. «La paloma» es uno de los grupos tardíos que comenzó en 1915. En el Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York, en 2018, «Los diez mayores» ocupó la primera sala de «Pinturas para el futuro».

¿Qué fueron las «Pinturas para el templo»? Un ciclo de 193 pinturas y dibujos realizados entre 1906 y 1915 que af Klint creía que le habían encargado para un templo que nunca llegó a construirse. Según contó, el guía espiritual Amaliel se lo pidió el primer día de 1906, cuando tenía 43 años, y ella aceptó de inmediato.

¿Qué significa la paloma en las pinturas de Hilma af Klint? En el grupo de «La paloma» de 1915, la paloma representa al Espíritu Santo, y la lucha entre el bien y el mal se desarrolla a través del combate de san Jorge contra el dragón. En dos de las pinturas del grupo, la paloma aparece con las alas teñidas de rojo. Unas grandes manos que se mueven entre el cielo y la tierra sostienen al ave.

Sobre el autor

En Moryarty buscamos y restauramos pósters vintage desde 2015. Buscamos en museos, bibliotecas y colecciones privadas imágenes que merece la pena conservar, restauramos cada una a mano y las imprimimos en nuestro taller de Barcelona sobre papel de bellas artes de calidad de museo. Con una artista como af Klint, cuyas letras y colores debían transmitir un significado, mantener la reproducción fiel al original es el propósito de todo ese trabajo.

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