Wassily Kandinsky se incorporó a la Bauhaus de Weimar en junio de 1922 y permaneció en la escuela alemana hasta su cierre en 1933. Durante esos once años enseñó color, forma y dibujo analítico, y en paralelo creó algunas de sus pinturas abstractas más ordenadas.

Su giro hacia los círculos, las cuadrículas y las líneas rectas estuvo ligado a los talleres de la escuela y a su creciente interés por el diseño para la producción industrial. La historia recorre tres ciudades, dos directores, una presión política cada vez mayor y una estrecha amistad profesional con Paul Klee.

Por qué aceptó la invitación de Gropius

Kandinsky llegó a Weimar tras pasar en Moscú los años en torno a la Revolución rusa. Había contribuido a fundar nuevas instituciones culturales bajo el gobierno revolucionario, entre ellas el Instituto de Cultura Artística, conocido como INKhUK, y la Academia Rusa de Ciencias Artísticas. Su enfoque espiritual de la abstracción pronto chocó con el de los constructivistas más jóvenes, que querían poner el arte al servicio de la producción, la ingeniería y el nuevo Estado.

En diciembre de 1921, Kandinsky ya había regresado a Alemania con su esposa, Nina. El traslado lo devolvió a un país donde gozaba de una reputación considerable. Antes de la Primera Guerra Mundial había cofundado Der Blaue Reiter con Franz Marc en Múnich y había publicado De lo espiritual en el arte, donde defendía que el color y la forma podían transmitir significado sin representar objetos visibles.

Walter Gropius le ofreció un puesto docente en 1922. El nombramiento tenía sentido para ambos. Gropius necesitaba un artista internacional de prestigio, y Kandinsky buscaba un entorno donde desarrollar sus ideas mediante una enseñanza estructurada, lejos de la gestión política.

Tenía 55 años cuando se incorporó, bastantes más que muchos alumnos y que varios colegas. Se hizo cargo del taller de pintura mural e impartió cursos obligatorios de diseño elemental. Su llegada también lo reunió de nuevo con Paul Klee, que enseñaba en Weimar desde 1921.

Kandinsky y Klee se conocían de Múnich desde antes de la guerra, pero su amistad se estrechó en la escuela. Cuando esta se trasladó a Dessau, en 1926 las dos familias ocuparon las mitades contiguas de una de las Casas de los Maestros diseñadas por Gropius. Sus obras conservaron estilos distintos. Klee solía construir imágenes a partir de pequeños signos y patrones de crecimiento irregulares. Kandinsky, en cambio, ensayaba cada vez más relaciones geométricas marcadas.

Dentro de su aula

Los alumnos que llegaban a las clases de Kandinsky no empezaban creando composiciones libres. Analizaban objetos e imágenes existentes y los reducían a fuerzas direccionales, tensiones, peso y equilibrio. Los ejercicios conservados muestran escenas cotidianas convertidas primero en redes de líneas y reorganizadas después como diagramas abstractos.

Su curso de dibujo analítico solía avanzar por varias etapas. Primero el alumno identificaba las principales líneas estructurales de una imagen. El siguiente dibujo eliminaba los detalles secundarios y la versión final conservaba solo las fuerzas más intensas. Kandinsky quería que los estudiantes explicasen por qué una diagonal parecía activa o por qué un conjunto daba la impresión de pesar más que una zona abierta.

El color se enseñaba mediante contrastes planificados, no a partir de gustos personales. Los alumnos comparaban tonos cálidos y fríos, valores claros y oscuros, y los efectos ópticos que se producían cuando los tonos contiguos se modificaban entre sí. Kandinsky asociaba el amarillo al movimiento hacia fuera y el azul al movimiento hacia dentro, ideas que ya había descrito en su libro de 1912.

También planteó relaciones entre los colores primarios y las formas básicas. El amarillo correspondía al triángulo, el rojo al cuadrado y el azul al círculo. En la escuela circuló un famoso cuestionario que pedía a profesores y alumnos asignar los tres colores a esas formas, pero las respuestas no fueron unánimes. Los documentos conservados debilitan la extendida idea de que la escuela descubrió un código universal entre forma y color.

El taller de pintura mural dio una aplicación práctica a esas lecciones. El color aplicado a la arquitectura debía tener en cuenta las puertas, las esquinas, las líneas de visión y las dimensiones de las estancias. Así, los alumnos de Kandinsky trabajaban más allá del lienzo portátil, aunque el taller fue acercándose poco a poco a la decoración de interiores bajo la dirección de Hinnerk Scheper.

En 1926, Kandinsky publicó Punto y línea sobre el plano como noveno volumen de la serie Libros de la Bauhaus. Definió el punto como el elemento gráfico más pequeño y examinó cómo se comportaban las líneas rectas, curvas y angulares dentro de un plano. Los diagramas convirtieron el material de sus clases en un sistema que también podían poner a prueba los lectores ajenos a la escuela.

La geometría toma el relevo

El cambio en su pintura había comenzado antes de su nombramiento, pero Weimar lo aceleró. El suprematismo y el constructivismo rusos lo habían acercado a los círculos flotantes, los planos entrecruzados y las estructuras de aire técnico. En la escuela, esos elementos entraron en las conversaciones diarias sobre arquitectura, tipografía y diseño industrial.

Sus pinturas anteriores a la guerra solían emplear campos de color irregulares y trazos amplios. Las obras posteriores a 1922 dieron a las formas geométricas contornos más firmes y posiciones más claras. Los círculos, los triángulos y las cuadrículas ajedrezadas empezaron a compartir el lienzo con curvas más libres y formas biomórficas.

Kandinsky nunca llegó a ser un constructivista estricto. Artistas como El Lissitzky y Alexander Rodchenko solían tratar la geometría como parte de un lenguaje visual práctico para publicaciones, exposiciones y comunicación política. Kandinsky, en cambio, mantuvo la convicción de que la forma y el color podían producir efectos interiores y psicológicos.

Esa diferencia explica por qué su geometría rara vez parece uniforme o mecánica. Los círculos se superponen o se alejan de cuadrículas apenas sugeridas. Finas diagonales atraviesan grupos densos sin encerrarlos en una estructura fija. Incluso sus líneas rectas varían en longitud, dirección y presión visual.

El traslado de la escuela a Dessau en 1925 reforzó su orientación técnica. El nuevo edificio de Gropius utilizaba hormigón armado, muros cortina de vidrio y alas independientes organizadas según su función. Herbert Bayer desarrolló para sus publicaciones una tipografía sin remates y composiciones de página asimétricas. Kandinsky trabajaba rodeado de personas que aplicaban el orden geométrico a edificios, muebles, tejidos y material impreso.

Pinturas creadas en Weimar y Dessau

Composición VIII, pintada en Weimar en 1923, marca una etapa decisiva de su obra geométrica. Sus círculos, arcos y líneas entrecruzadas ocupan un campo claro sin profundidad convencional. Un gran círculo negro fija el ángulo superior izquierdo, mientras los elementos más pequeños se extienden por el lienzo de dos metros de ancho.

La pintura sigue rechazando el orden matemático perfecto. Varias formas se superponen sin coincidir y el peso visual se distribuye de manera desigual. Kandinsky usó el cálculo como punto de partida y luego lo alteró para evitar que la imagen se convirtiera en un diagrama estático.

Amarillo-Rojo-Azul llegó en 1925, el año en que la escuela abandonó Weimar. Con unas dimensiones aproximadas de 127 por 200 centímetros, divide su formato horizontal entre una zona amarilla clara y un área azul más oscura. Una cuadrícula roja, varias diagonales negras y un círculo azul intenso conectan las dos mitades.

En 1926 pintó Varios círculos, una composición cuadrada sostenida por un fondo oscuro. Decenas de círculos difieren en tamaño, transparencia y tono. Algunos se superponen y crean nuevos tonos, lo que muestra cómo sus experimentos de aula con colores contiguos y superpuestos pasaron a su trabajo en el estudio.

Hacia arriba, terminada en 1929, emplea un formato vertical más pequeño y una disposición de elementos geométricos que recuerda a una figura. Dos círculos sugieren ojos, mientras que una sección inferior puntiaguda se asemeja a una barbilla o un pedestal. La pintura se sitúa entre la abstracción pura y la tendencia humana a encontrar rostros en formas sencillas.

Su obra también circuló en forma de estampas. La carpeta de 1922 Kleine Welten, o Pequeños mundos, contenía doce estampas realizadas con litografía, xilografía y punta seca. El uso de tres técnicas le permitió comparar el color plano, los bordes tallados y las líneas incisas dentro de una misma edición coordinada.

Una gramática visual que sobrevive a la escuela

La presión política acompañó a la escuela en cada traslado. Las autoridades conservadoras de Turingia recortaron su financiación y forzaron el traslado de Weimar a Dessau. El gobierno municipal de Dessau la cerró en 1932, después de que el Partido Nazi obtuviera el poder local, y Ludwig Mies van der Rohe volvió a abrirla como institución privada en una antigua fábrica de Berlín.

La Gestapo registró la sede de Berlín el 11 de abril de 1933. En agosto, los profesores votaron a favor de disolver la escuela antes que aceptar las condiciones impuestas por las autoridades nazis. Kandinsky abandonó Alemania y se instaló en Neuilly-sur-Seine, cerca de París, donde vivió hasta su muerte en 1944.

Su enseñanza perduró a través de sus publicaciones, de antiguos alumnos y de la dispersión internacional de quienes habían trabajado en la escuela. Josef Albers llevó un sistema afín de ejercicios visuales rigurosos al Black Mountain College y, más tarde, a Yale. László Moholy-Nagy fundó la New Bauhaus de Chicago en 1937 e introdujo en Estados Unidos una enseñanza del diseño basada en talleres.

Los diseñadores gráficos posteriores adoptaron muchos de los recursos que Kandinsky había analizado, entre ellos las líneas direccionales, el equilibrio asimétrico y el contraste controlado de formas geométricas. Esos recursos no surgieron de un único profesor, pero sus libros les dieron nombres, diagramas y ejercicios de aula reproducibles.

Su influencia en el arte abstracto fue igual de directa. Demostró que la pintura geométrica no tenía por qué imitar la ingeniería ni renunciar al juicio subjetivo. Los artistas podían usar círculos y cuadrículas como material expresivo, y ajustar la escala, el color y la posición con el mismo cuidado con que un compositor ajusta el ritmo.

Convivir con la abstracción geométrica

Las obras de la década de 1920 encajan en estancias que ya cuentan con líneas arquitectónicas rectas. Una lámina de fondo despejado puede colocarse sobre un mueble bajo sin recargar la pared, mientras que una composición más densa necesita más espacio vacío alrededor del marco.

En nuestra colección de Wassily Kandinsky, la elección suele darse entre composiciones lineales muy activas, como Kleine Welten IV, y obras más serenas organizadas en torno a unas pocas formas grandes, como Bleu de Ciel. Según nuestra experiencia, quienes eligen primero la imagen más colorida suelen preferir una lámina más sencilla cuando comparan ambos diseños ya colocados en la pared.

Un marco de aluminio negro refuerza las diagonales negras y los contornos circulares. En interiores claros encaja bien un marco de madera de pino, que suaviza la geometría marcada. Los marcos magnéticos dejan la lámina al descubierto, así que no son una buena opción cerca de cocinas, bajo la luz directa del sol o junto a ventanas que se abren con frecuencia.

¿Sabías que...?

• Kandinsky se formó en Derecho y Economía en la Universidad de Moscú antes de marcharse a Múnich para estudiar arte en 1896.
• Rechazó una cátedra en la Universidad de Dorpat, actual Universidad de Tartu, antes de cambiar de rumbo profesional.
• Obtuvo la nacionalidad alemana en 1928 y la francesa en 1939.
• La carpeta Pequeños mundos de 1922 reunió litografía, xilografía y punta seca en un único conjunto de doce estampas.
• Galka Scheyer promocionó en Estados Unidos a Kandinsky, Klee, Lyonel Feininger y Alexej von Jawlensky bajo el nombre de los Cuatro Azules.
• Las autoridades nazis retiraron decenas de obras suyas de las colecciones públicas alemanas durante la campaña contra el llamado arte degenerado.

Respuestas rápidas a preguntas frecuentes

¿Dónde puedo ver sus pinturas en persona? La Lenbachhaus de Múnich conserva un importante conjunto de obras relacionadas con Kandinsky y Der Blaue Reiter. El Guggenheim Museum de Nueva York posee más de 150 obras suyas, entre pinturas, acuarelas y estampas.

¿Puedo visitar los edificios donde enseñó? Sí. El edificio de la escuela de 1926 y las Casas de los Maestros de Dessau están abiertos al público a través de la Bauhaus Dessau Foundation. Kandinsky compartió una de las casas dobles con Paul Klee.

¿Cómo puedo identificar una estampa original de Kandinsky? Comprueba la técnica de impresión, el papel, los datos de la edición y la referencia del catálogo razonado. La firma por sí sola no es una prueba, ya que las ediciones autorizadas, las estampas posteriores y las reproducciones pueden incluir firmas impresas o en facsímil.

¿Las estampas originales tienen precios asequibles? Los precios varían mucho según la técnica, el estado de conservación, la edición y la procedencia. Una reproducción moderna en calidad fine art es una opción sensata si te interesa la imagen y no los riesgos, los costes de conservación y la documentación asociados a un original.

¿Por qué su nombre aparece escrito como Vasily, Wassily o Vassily? Las variantes proceden de distintos sistemas para transliterar al alfabeto latino el nombre ruso Василий. Los museos mantienen grafías diferentes, pero todas se refieren al mismo artista.

---

Sobre el autor

MORYARTY selecciona reproducciones de pósters vintage desde 2015, con un equipo afincado en Barcelona y Lisboa y distribuidores asociados en toda Europa. Llevamos más de una década comparando cómo quedan las composiciones modernistas al reproducirse sobre papel fine art, sobre todo aquellas cuyos fondos claros y líneas finas pueden desaparecer con una impresión deficiente.

Fuentes

• Bauhaus Kooperation. Wassily Kandinsky
• Solomon R. Guggenheim Museum. Vasily Kandinsky
• Museum of Modern Art. Vasily Kandinsky
• Tate. Wassily Kandinsky
• Encyclopaedia Britannica. Wassily Kandinsky