PAUL KLEE|8 MIN DE LECTURA
10 cuadros famosos de Paul Klee que debes conocer
Un recorrido por la evolución de Klee, desde las acuarelas de Túnez hasta sus experimentos en la Bauhaus y las figuras oscuras de gruesos contornos de sus últimos años.
TEXTO MORYARTY
Paul Klee creó más de 9000 obras a lo largo de una trayectoria que pasó por el expresionismo, la abstracción, la Bauhaus y la convulsa situación política de la Alemania de los años treinta. Al repasar la lista de cuadros famosos de Paul Klee, enseguida se aprecia su variedad: pequeñas acuarelas, grandes lienzos construidos a partir de retículas geométricas, símbolos inventados y figuras de líneas rotundas.
Las diez obras que siguen permiten recorrer esa evolución en orden cronológico. Cada una se ha elegido por el lugar que ocupa en la trayectoria de Klee, por formar parte de la colección de un museo importante o por su influencia en la interpretación actual de su arte.
Cómo se eligieron los cuadros
Klee trabajó con óleo, acuarela, temple, tinta, tiza y un proceso de transferencia de su propia invención. Una selección representativa debe mostrar algo más que sus coloridas composiciones geométricas. También tiene que incluir sus dibujos, sus figuras, sus animales, sus símbolos y sus pinturas tardías sobre tejidos ásperos.
El reconocimiento de los museos sirvió como filtro adicional. Varias de las obras elegidas pertenecen a instituciones con fondos importantes, entre ellas el Museum of Modern Art de Nueva York, el Kunstmuseum Bern, el Zentrum Paul Klee, el Solomon R. Guggenheim Museum y el Philadelphia Museum of Art. Sus registros de conservación aportan información fiable sobre materiales que las reproducciones pueden ocultar con facilidad.
La popularidad también influyó, aunque no lo decidió todo. Máquina de gorjeos y Gato y pájaro son imágenes conocidas, pero Al estilo de Kairuán muestra la escala que alcanzaron los experimentos cromáticos de Klee. Las obras tardías se incluyeron porque desmienten la idea de que su arte mantuvo siempre un carácter delicado o lúdico.
Primeros avances en el uso del color
1. Hammamet con su mezquita, 1914
Klee viajó a Túnez en abril de 1914 con los artistas alemanes August Macke y Louis Moilliet. Visitaron Túnez, St Germain, Hammamet y Kairuán, y plasmaron en acuarela patios, jardines y ejemplos de arquitectura norteafricana.
Hammamet con su mezquita conserva una torre reconocible y una hilera de edificios, pero en la parte inferior la ciudad se descompone en bloques transparentes de color rosa, verde, amarillo y azul. Klee dejó visible el blanco del papel entre varias aguadas, lo que mantiene los tonos separados y evita que se enturbien.
El viaje duró menos de un mes, pero transformó su método. En la entrada de su diario escrita en Kairuán aparece su célebre afirmación de que el color se había apoderado de él. Su obra anterior se apoyaba sobre todo en la línea, mientras que las láminas tunecinas convirtieron el color en la estructura del cuadro.
2. Al estilo de Kairuán, 1914
Más adelante, en 1914, Klee trasladó aquellos experimentos con la acuarela a una composición de tamaño excepcional. Su título completo, Al estilo de Kairuán, transpuesto de manera moderada, indica que estaba reelaborando sus observaciones tunecinas en lugar de pintar la ciudad de forma directa.
La composición mide más de dos metros de altura. Rectángulos, círculos y manchas irregulares llenan la superficie, sin un horizonte convencional que separe la tierra del cielo. Dentro de la retícula aún se distinguen algunos árboles y cúpulas simplificados. Es una muestra de cómo la arquitectura proporcionó el marco inicial para la abstracción.
La escala la distingue de las numerosas obras íntimas que Klee realizó sobre papel. El artista quería comprobar si las relaciones entre los colores transparentes de una pequeña acuarela podían sostenerse en una superficie lo bastante grande como para enfrentarse físicamente al espectador.
3. Angelus Novus, 1920
Klee realizó Angelus Novus con acuarela y dibujo transferido al óleo, una técnica en la que colocaba papel entintado bajo una hoja limpia y repasaba el diseño original. La presión transfería una línea negra irregular, con aspecto de impresión pero con las vacilaciones propias del dibujo.
El filósofo Walter Benjamin compró la obra en 1921. En su ensayo de 1940 Sobre el concepto de historia, la describió como el 'ángel de la historia', empujado hacia el futuro mientras contempla los escombros del pasado. Klee no le atribuyó ese significado político, pero la interpretación de Benjamin convirtió esa pequeña imagen en parte de la filosofía del siglo XX.
La obra pertenece hoy al Israel Museum de Jerusalén. Su fama nace del encuentro entre dos ideas: el ángel inventado por Klee y la respuesta de Benjamin al fascismo, el exilio y la catástrofe histórica.
Los años de la Bauhaus
Walter Gropius incorporó a Klee a la Bauhaus en 1920 y el artista empezó a dar clases en Weimar en 1921. Preparaba lecciones detalladas sobre el color, el movimiento y la construcción pictórica, y al mismo tiempo seguía pintando en una habitación de su casa. Su docencia no impuso una única estética Bauhaus, pero lo obligó a explicar decisiones que muchos artistas tomaban de forma intuitiva.
4. Globo rojo, 1922
Un círculo rojo flota sobre una ciudad de edificios muy juntos en Globo rojo, obra que hoy conserva el Solomon R. Guggenheim Museum. Klee la pintó al óleo sobre muselina, cuya trama visible da a la superficie coloreada una textura más seca que la de un lienzo liso con imprimación.
La ciudad está construida con rectángulos, triángulos y formas escalonadas. Klee mantuvo el globo perfectamente reconocible al rodearlo de rosas, marrones y verdes apagados. Su fino cordel conecta el círculo con los edificios sin situarlo en un lugar realista.
La imagen muestra cómo equilibraba la representación y la abstracción. El espectador puede identificar un globo y varios tejados, pero el cuadro funciona antes como una disposición de formas que como la vista de un lugar.
5. Máquina de gorjeos, 1922
Cuatro criaturas parecidas a pájaros se posan sobre un alambre conectado a una manivela. Sus picos abiertos sugieren un canto, pero el mecanismo giratorio hace pensar que el sonido podría ser repetitivo, forzado o mecánico.
Klee creó los contornos negros mediante transferencia al óleo y después aplicó acuarela en tonos azul claro, rosa y morado. El Museum of Modern Art cataloga la obra como acuarela, pluma y tinta sobre un dibujo transferido al óleo en papel. La superposición de materiales explica por qué la línea parece más áspera que la de un dibujo a pluma convencional.
El título emplea la palabra alemana Zwitscher-Maschine. La combinación de pájaros vivos y un dispositivo mecánico encaja con la etapa Bauhaus, cuando artistas y diseñadores debatían cómo debían relacionarse los cuerpos, las máquinas y la producción industrial.
6. Senecio, 1922
Senecio muestra un rostro dividido en cuadrados de color y secciones curvas. Dos ojos circulares se sitúan a distintas alturas, mientras que la boca queda reducida a una breve marca horizontal. El título puede aludir al género de plantas con flor Senecio, aunque también recuerda a la palabra latina que designa a un anciano.
Klee pintó la obra sobre una gasa montada en tabla, no sobre un lienzo tensado convencional. La textura del tejido sigue siendo visible bajo las finas capas de color, lo que evita que las divisiones geométricas parezcan mecánicamente planas.
Los ojos asimétricos y la pequeña boca dan a la cabeza una expresión teatral sin recurrir al modelado realista. Klee había estudiado la caricatura al principio de su carrera, y ese interés se conserva bajo la construcción geométrica del rostro exagerado.
7. Magia de los peces, 1925
Peces, plantas, un reloj, una cruz y una pequeña figura humana aparecen sobre el fondo azul negruzco de Magia de los peces. Klee trató la superficie como una escena nocturna en la que distintos objetos emergen a profundidades diferentes.
Los materiales incluyen óleo, acuarela y tinta sobre lienzo. Cerca del centro se fijó un cuadrado de muselina, y Klee pintó parte de la composición sobre él. El borde apenas se aprecia en una reproducción, pero crea una capa física dentro del espacio imaginario.
Walter y Louise Arensberg adquirieron el cuadro en 1937 y más tarde donaron su colección al Philadelphia Museum of Art. Su combinación de vida acuática, signos y objetos explica por qué resulta difícil clasificar las imágenes de Klee como abstractas o figurativas.
8. Gato y pájaro, 1928
La cabeza de un gato ocupa casi toda la superficie, mientras un pequeño pájaro reposa sobre su frente. Los ojos del gato apuntan hacia el ave, de modo que el deseo del animal se convierte en el tema principal, sin necesidad de mostrar una persecución o una captura.
Klee utilizó óleo y tinta sobre un lienzo preparado con yeso y montado en madera. El yeso crea una base clara y absorbente, mientras que las finas capas de rosa y óxido dejan visibles las marcas arañadas y dibujadas.
En el centro del rostro aparece una nariz en forma de corazón. La posición del pájaro sobre los ojos hace que parezca una imagen dentro de la mente del gato, no un ave presente en la habitación. El Museum of Modern Art adquirió el cuadro en 1939, un año antes de la muerte de Klee.
Gran formato e intensidad tardía
Klee dejó la Bauhaus en 1931 para enseñar en la Academia de Düsseldorf. Los nazis lo destituyeron en abril de 1933, la policía registró su casa y a finales de ese año regresó a Berna. Su salud empeoró a partir de 1935, aunque su producción aumentó notablemente en 1939.
9. Ad Parnassum, 1932
Ad Parnassum es uno de los cuadros más grandes de Klee y mide aproximadamente un metro por 1,26 metros. Construyó su superficie con cientos de pequeñas marcas de color sobre una base de varias capas y después situó una pirámide o montaña simplificada detrás de un círculo naranja.
El título alude al Parnaso, la montaña vinculada con Apolo y las musas en la mitología griega. También recuerda el tratado musical de Johann Joseph Fux publicado en 1725, Gradus ad Parnassum, un manual para aprender contrapunto. Klee era un violinista de formación, y las unidades de color repetidas le ofrecían un equivalente visual del ritmo y la variación.
A diferencia de los puntos del puntillismo del siglo XIX, las marcas de Klee no se funden ópticamente para formar una escena naturalista. Construyen un campo texturizado alrededor de unos pocos signos geométricos de gran tamaño. Hoy el cuadro pertenece al Kunstmuseum Bern.
10. Muerte y fuego, 1940
Klee terminó Muerte y fuego durante el último año de su vida. Padecía la enfermedad que hoy suele identificarse como esclerosis sistémica, que afectaba a su piel y a sus movimientos.
Una cabeza pálida parecida a una calavera ocupa el centro, rodeada de gruesos signos negros y una forma roja. La palabra alemana Tod, que significa muerte, puede leerse en el rostro y las formas cercanas. Una T aparece en la estructura facial, los ojos circulares sugieren una O y a un lado se distingue una forma parecida a una D.
Klee utilizó pasta de color sobre yute, un soporte basto que encaja con los gruesos contornos de su etapa tardía. Las frágiles aguadas transparentes de 1914 dieron paso a pigmentos densos, símbolos rotundos y una imagen que aborda la mortalidad sin rodeos. Murió cerca de Locarno el 29 de junio de 1940.
Cómo elegir una lámina de Klee para tu pared
Empieza por el color, no por la fama. Los azules claros y los rosas apagados de las acuarelas tunecinas encajan en estancias con madera clara, lino y paredes de un blanco cálido. Las obras más oscuras, como Magia de los peces, necesitan un contraste mayor a su alrededor y suficiente luz para que sus símbolos más pequeños no desaparezcan al verlos desde lejos.
El tema define el ambiente tanto como la paleta. Las retículas arquitectónicas transmiten orden, mientras que los pájaros, los gatos y las plantas inventadas introducen formas reconocibles sin convertirse en ilustraciones literales. Nuestra colección de Paul Klee reúne ambos enfoques, así que puedes comparar composiciones geométricas como Arquitectura colorida con acuarelas más suaves como Formas libres.
El formato debe adaptarse a la pared. Las obras verticales funcionan en espacios estrechos junto a una estantería o una puerta, mientras que las composiciones cuadradas quedan bien sobre muebles bajos. En la práctica, las líneas finas de Klee se aprecian mejor en A3 o A2, aunque un conjunto de láminas A5 más pequeñas puede evocar la escala íntima de sus obras sobre papel.
Conviene tener claras las ventajas y las limitaciones antes de enmarcar. Un marco de aluminio negro da un borde definido a las imágenes geométricas, mientras que el pino claro resulta más suave junto a los tonos de las acuarelas. Los marcos magnéticos dejan la lámina más expuesta, por lo que no son la mejor opción para cocinas húmedas o zonas con luz solar directa, donde un marco con cristal protege mejor el papel. MORYARTY ofrece enmarcado gratuito, con láminas sin marco desde 6 € y opciones enmarcadas desde 16 €.
¿Sabías que...?
- Klee era un violinista consumado y tocó en la Orquesta Municipal de Berna antes de dedicarse por completo a las artes visuales.
- Catalogó su propia obra a partir de 1911, asignando números y registrando títulos, fechas, materiales y propietarios.
- Entre 1916 y 1925, Klee creó unos 50 títeres de mano para su hijo Felix con materiales como tela, yeso, hueso y enchufes eléctricos.
- Diecisiete de sus obras se exhibieron en la exposición nazi Arte degenerado, celebrada en Múnich en 1937.
- La inscripción de su tumba cita sus propias palabras sobre la dificultad de comprenderlo en el presente, porque vive tanto con los muertos como con quienes aún no han nacido.
- El edificio del Zentrum Paul Klee de Berna fue diseñado por Renzo Piano e inaugurado en 2005.
Respuestas rápidas a preguntas frecuentes
¿Dónde puedo ver la mayor colección de obras de Klee? El Zentrum Paul Klee de Berna conserva unas 4000 obras, cerca del 40 % de su producción registrada. Solo puede mostrarse una parte a la vez, ya que muchas obras sobre papel necesitan una exposición controlada a la luz para retrasar la decoloración.
¿Cómo puedo distinguir un Klee original de una copia? Comprueba el soporte, la técnica, la procedencia y el número de referencia en el catálogo razonado de nueve volúmenes publicado por la Paul Klee Foundation. Una firma por sí sola demuestra poco, ya que sus firmas y monogramas son fáciles de copiar.
¿Cómo se pronuncia Klee? La pronunciación alemana se aproxima a 'klee', en una sola sílaba. Su nombre de pila se pronuncia aproximadamente 'paul', no como en inglés.
¿Las imágenes de Klee siguen protegidas por derechos de autor en Europa? Klee murió en 1940, por lo que el plazo europeo habitual de 70 años tras la muerte del creador finalizó a finales de 2010. Las fotografías tomadas por museos pueden seguir sujetas a derechos independientes, según el país y la imagen.
¿Por qué obra de Klee debería empezar si quiero una sola lámina? Para una estancia luminosa y desenfadada, una acuarela tunecina como Hammamet es una opción segura, porque combina con casi cualquier tono de madera. Si tus paredes ya tienen muchos elementos, una sola obra de fuerte contraste como Senecio se distingue mejor desde el otro lado de la habitación que una retícula densa.
Sobre el autor
MORYARTY selecciona reproducciones de pósters vintage desde 2015 y cuenta con un equipo en Barcelona y Lisboa, además de distribuidores asociados en toda Europa. Trabajamos especialmente con imágenes modernistas y de la Bauhaus, en las que el tono del papel, el grosor de la línea y la precisión del encuadre determinan si una reproducción conserva el carácter de la obra documentada.