El significado del arte de Gustav Klimt depende de la obra que mires y de lo que ocurrió después de su creación. Klimt fue un pintor vienés que nació en 1862 y murió en 1918, y uno de los fundadores de la Secesión de Viena, el grupo que rompió con las instituciones artísticas conservadoras de la ciudad en 1897. A lo largo de su carrera pasó de pintar murales en grandes edificios públicos a retratar a clientes particulares, y los temas cambiaron con los encargos. Las siete obras que recorre este artículo incluyen motivos bíblicos, un encargo universitario, retratos privados y proyectos arquitectónicos.

El significado de una obra empieza por el motivo de su creación y por su destinatario. Continúa con lo que dijeron sus primeros espectadores y con lo que las generaciones posteriores eligieron ver en ella, y vuelve a cambiar según quién la poseyó y qué le ocurrió. Estas siete historias vuelven una y otra vez a los mismos temas: el amor, la salud, la identidad y la libertad artística, pero también a la historia más oscura del siglo XX, marcada por las confiscaciones, la destrucción durante la guerra y las restituciones.

¿Por qué el cuadro de Klimt con Higía indignó a los profesores de Viena y ardió en 1945?

La diosa de la salud de Klimt no ocupa un lienzo independiente. Es la figura situada en la parte inferior de «Medicina», uno de los tres cuadros sobre las facultades que le encargaron para el techo del Aula Magna de la Universidad de Viena. El Ministerio de Cultura y Educación le había pedido «Filosofía», «Jurisprudencia» y «Medicina» para decorar la sala del nuevo edificio de Heinrich von Ferstel en la Ringstrasse, inaugurado en 1884. Mientras que la decoración de los edificios públicos solía celebrar los logros humanos, Klimt eligió mostrar la vida como un destino marcado por la enfermedad y la muerte.

Higía aparece como una figura que reúne la vida y la muerte, lo que supone una ruptura radical con la representación habitual de la diosa de la salud. «Medicina» se presentó por primera vez en la décima exposición de la Secesión, en 1901. La reacción fue más airada que la que había provocado «Filosofía»: una revista médica atacó el cuadro y un grupo de profesores de la universidad presentó una queja formal contra él.

Berta Zuckerkandl recordó en sus memorias que el rector leyó una petición que calificaba de insulto al arte la aceptación de los cuadros para el techo. Según su relato, un decano afirmó que Klimt se había atrevido a tocar lo que Rafael había concebido para la eternidad. El anatomista Emil Zuckerkandl se situó en el bando contrario: fue uno de los pocos profesores que firmaron a favor de conservar los cuadros. La polémica terminó en 1905, cuando Klimt rescindió su contrato con el ministerio y recompró las tres obras. A partir de entonces no aceptó más encargos públicos y se dedicó a clientes particulares.

Tras la recompra, los tres cuadros pasaron a coleccionistas privados. Cambiaron de manos varias veces y, en 1938, los nazis los confiscaron a sus propietarios judíos. Durante la guerra, los tres lienzos se trasladaron a un depósito de obras de arte en el castillo de Immendorf, en Baja Austria, donde un incendio los destruyó el 8 de mayo de 1945. Se cree que las tropas de las SS en retirada prendieron fuego al castillo, aunque nunca se ha podido verificar de forma concluyente. Ningún museo conserva hoy el original de «Medicina».

Los testimonios que han sobrevivido son escasos, pero valiosos. La única reproducción en color del detalle de Higía realizada antes del incendio es la lámina 10 del libro de Max Eisler «Klimt: Eine Nachlese», publicado en Viena en 1931. El Israel Museum de Jerusalén, la Albertina y el Wien Museum conservan importantes estudios preparatorios para «Medicina». Junto con las fotografías, permiten estudiar la obra pese a la desaparición del cuadro.

El 13 de noviembre de 2024 se abrió un nuevo capítulo: se presentó una reconstrucción en color de «Medicina», de unos 12 por 8 metros y realizada con inteligencia artificial, en la fachada de un edificio de investigación de la Universidad Médica de Viena, en el campus AKH Wien. Google Arts & Culture realizó la reconstrucción junto con el Belvedere de Viena. Esta reconstrucción de 2024 permite a visitantes y personal volver a ver «Medicina» completa en color, en un edificio universitario y con Higía en la parte inferior. Hasta entonces, la composición completa solo se conocía en blanco y negro.

Judith y el paso del heroísmo bíblico al poder sexual

La «Judith» de Klimt, con pan de oro, convierte el relato bíblico de una ciudad salvada por una decapitación en algo más cercano a una lucha entre los sexos. El Belvedere de Viena, propietario del cuadro, lo interpreta hoy como un icono de feminidad peligroso y seductor. El museo señala que la imagen no deja espacio al agresor masculino. Judith sostiene la cabeza casi con ternura, como si la estuviera empujando fuera del cuadro.

Klimt pintó la obra con óleo y pan de oro sobre lienzo y la firmó en la esquina inferior izquierda. El marco lleva en su parte superior el título «JUDITH UND HOLOFERNES». Un catálogo de la Secesión de Viena de 1901 la sitúa en la sala III, con el número 20 y el título «Judith und Holofernes», y añade la anotación Privatbesitz, propiedad privada. El nombre «Judith I» sirve para distinguirla del segundo cuadro de Judith que Klimt pintó en 1909.

La historia documentada de sus propietarios comienza en Viena. En 1901 el cuadro pertenecía a Anton Loew. En 1907 ya había pasado a Sophie Loew-Unger, también en Viena, y en 1920 estaba en manos de Berthe Hodler, viuda del pintor Ferdinand Hodler, en Ginebra. En 1954 el Belvedere se lo compró y lo devolvió a Viena.

Algunos autores han reconocido los rasgos de Adele Bloch-Bauer en el rostro de Judith y han señalado que el collar que esta lleva se parece al del retrato posterior de Adele que pintó Klimt. Sin embargo, ningún documento confirma esa identificación. El cuadro se expone hoy en el Belvedere Superior.

Cómo sobrevivió el «Friso de Beethoven» a su exposición temporal

El «Friso de Beethoven» se creó para la decimocuarta exposición de la Secesión de Viena, un homenaje al compositor que se celebró del 15 de abril al 27 de junio de 1902. Veintiún artistas trabajaron en la muestra bajo la dirección de Josef Hoffmann, con el propósito de unir arquitectura, pintura, escultura y música. La estatua de Beethoven de Max Klinger ocupaba la sala principal. El friso de Klimt recorría la galería lateral izquierda, por la que entraban primero los visitantes, y una abertura en la pared permitía ver la estatua. Klimt era entonces presidente de la Secesión.

El friso sigue la interpretación de la «Novena sinfonía» de Beethoven que Richard Wagner publicó en 1846. La secuencia termina con un coro de ángeles y una pareja de amantes abrazados, que representan la «Oda a la alegría» de Schiller y la felicidad alcanzada a través del amor.

Un crítico escribió que el friso podría encajar en una caverna para orgías paganas, pero no en salas de exposición a las que se invitaba a mujeres y muchachas respetables. El público no estuvo de acuerdo. La muestra atrajo a casi 60.000 visitantes y se convirtió en uno de los mayores éxitos de público de la Secesión. En la presentación previa a la apertura, Gustav Mahler situó a seis trombonistas en las escaleras para interpretar su propio arreglo de un fragmento de la «Oda a la alegría» musicada por Beethoven.

El friso debía ser temporal, y los murales de los demás artistas se destruyeron al cerrar la exposición. La Secesión ya había programado una gran retrospectiva de Klimt para el año siguiente. Carl Reininghaus, mecenas del pintor, compró el friso y encargó que lo retiraran de la pared: gracias a eso se ha conservado. No encontró un lugar adecuado para exponerlo, y August Lederer tampoco pudo hacerlo cuando lo compró en 1915.

Los nazis expropiaron el friso. Tras la Segunda Guerra Mundial se devolvió a Erich Lederer, en Ginebra, pero le denegaron el permiso de exportación. Después de 1961 quedó almacenado en el Belvedere Inferior. En 1973 Lederer lo vendió a la República de Austria por unos 750.000 dólares estadounidenses, aunque algunas fuentes sitúan la venta en 1972.

La Oficina Federal para la Protección de Monumentos restauró el friso bajo la dirección de Manfred Koller y terminó los trabajos en 1984. Una copia a tamaño real realizada durante la restauración se presentó en la Bienal de Venecia de ese año. En 1985 el friso restaurado se expuso en el Künstlerhaus, en una reconstrucción de la galería lateral de Hoffmann. Desde 1986 se puede visitar en una sala propia del sótano del edificio de la Secesión. Los herederos de Lederer solicitaron su restitución en 2013, y una comisión estatal rechazó la petición en 2015.

¿Quién fue Adele Bloch-Bauer y cómo se recuperó su retrato?

En el verano de 1903, el banquero Ferdinand Bloch-Bauer pidió a Klimt que retratara a su esposa Adele. Según una de las versiones, quería regalar el cuadro a los padres de ella por su aniversario en octubre. Klimt trabajó en él durante años, y el «Retrato de Adele Bloch-Bauer I» terminado es uno de sus cuadros más imponentes. Lo pintó con óleo, oro y plata sobre lienzo, y lo firmó y fechó en 1907 en la esquina inferior derecha. Adele aparece sentada, erguida, rodeada de oro y con las manos delicadamente entrelazadas. El Jewish Women's Archive describe el resultado como un icono moderno de una gran dama.

El cuadro no se mostró al público hasta principios de 1907, el año en que quedó terminado: primero en Mannheim y después en la Kunstschau de Viena de 1908. En 1938 los nazis lo confiscaron en la casa de los Bloch-Bauer junto con otros cuatro cuadros de Klimt. En 1941 el abogado designado por los nazis para administrar los bienes de Ferdinand entregó el retrato a la Galerie Belvedere de Viena, afirmando que cumplía los deseos que Adele había expresado en su testamento.

Durante décadas el cuadro se expuso en Viena con el nombre de «La dama de oro», un título que ocultaba la identidad de la retratada. Al retirar el nombre de Adele Bloch-Bauer de la cartela, el nuevo título completaba lo que había iniciado la confiscación: el retrato creado en su honor ya no llevaba su nombre. En 1998 el periodista Hubertus Czernin demostró que el Belvedere conservaba varias obras robadas a propietarios judíos y se había negado a devolverlas. El retrato era una de ellas.

Maria Altmann, sobrina de Ferdinand, contrató al abogado E. Randol Schoenberg para reclamar cinco obras de Klimt al Belvedere. El proceso duró siete años e incluyó una vista ante el Tribunal Supremo de Estados Unidos. Schoenberg aceptó someterse a un arbitraje en Austria, en parte porque Altmann tenía 85 años. La primera reacción de ella fue decirle que estaba loco. En 2005 un tribunal arbitral austriaco decidió que los cuadros debían devolverse a los herederos.

En 2006 Altmann vendió el retrato a Ronald Lauder por 135 millones de dólares estadounidenses, una cifra que entonces batió el récord del precio pagado por un cuadro. Lauder lo compró para la Neue Galerie New York, donde se expone de forma permanente desde 2006, conforme a los deseos de la familia. Schoenberg explicó que Altmann lo vendió en parte para contar la verdad de lo que le había ocurrido a su familia, y en parte porque los herederos, propietarios conjuntos de la obra, no podían costear el seguro para conservarla en una vivienda particular. El nombre de Adele Bloch-Bauer, eliminado por el antiguo título, vuelve a ir unido al cuadro.

«El beso» se compró antes de estar terminado

La Kunstschau Wien de 1908, organizada en un tiempo récord por Klimt, Josef Hoffmann y sus colegas, abrió al público el 1 de junio. Klimt no había podido terminar su famoso abrazo a tiempo para la inauguración. Se presentó con su título original, «Liebespaar». El cuadro fue la pieza más destacada de la sala de Klimt y la principal atracción de toda la muestra. El Ministerio de Educación de Austria lo compró para la Galería Moderna mientras la exposición seguía abierta.

La galería había abierto apenas cinco años antes y hoy se llama Belvedere. El cuadro seguía sin terminar cuando se compró por 25.000 coronas. En 1909 Klimt lo terminó y lo entregó al ministerio a cambio del pago acordado. El Belvedere considera probable que Klimt siguiera haciendo cambios después de la Kunstschau, hasta 1909, y una fotografía temprana documenta el primer estado del cuadro.

En otoño de 1909, un catálogo de la Galería Moderna la llamó por primera vez «El beso», el título con el que hoy es famosa en todo el mundo.

Los materiales explican buena parte de su fuerza. Las prendas de los amantes están decoradas con pan de oro, y el fondo contiene partículas de oro, plata e incluso platino. El cuadro corresponde al apogeo de la etapa dorada de Klimt, en la que desarrolló una técnica que combinaba pan de oro con óleo y pintura de bronce. En el uso del oro, Klimt se inspiró en los mosaicos bizantinos y en la pintura de iconos. El estilo de los iconos con fondo dorado suele reservarse a temas sagrados. Aquí lo aplicó al amor profano, y la obra se describe a menudo como un icono monumental.

Muchas personas dan por hecho que la pareja representa a Klimt y a su compañera Emilie Flöge, quizá junto al Attersee, donde pasaban los veranos. El Belvedere señala que ninguna fuente biográfica afirma que Klimt quisiera retratarse a sí mismo y a ella, por lo que la identificación sigue siendo una conjetura romántica. Lo que sí se sabe con certeza es dónde ha estado el cuadro. Pertenece a la colección del Belvedere desde su compra y se expone en el Belvedere Superior de Viena como la pieza más destacada de la colección permanente.

«La realización» y la creación del comedor Stoclet

Adolphe Stoclet, financiero belga, y su esposa Suzanne encargaron a Josef Hoffmann y a la Wiener Werkstätte el diseño, la decoración y el mobiliario de su mansión de Bruselas, con jardines de trazado geométrico. El proyecto se desarrolló entre 1905 y 1911. Klimt se incorporó para diseñar el friso de mosaico del comedor. Su dibujo de los amantes abrazados es uno de los nueve cartones, dibujos preparatorios a tamaño real, que realizó para el friso, en su mayor parte entre 1908 y 1911.

«La realización», también llamada «Los amantes», es la escena final del friso y la que hace pareja con «La espera», situada en el lado opuesto. El tema de la espera y la realización aparecía en los dibujos de Klimt desde 1904 o 1905, años antes de que terminara el encargo. Las dos escenas quedan frente a frente a ambos lados del comedor.

Klimt realizó el dibujo en Viena y en Kammerl am Attersee, con tiza, lápiz y gouache, además de bronce, plata, oro y platino. La Wiener Mosaik-Werkstätte de Leopold Forstner ejecutó el friso en mosaico, y los dibujos preparatorios especifican el uso de esmalte, incrustaciones de oro y vidrio de colores.

El MAK, el Museum of Applied Arts de Viena, que conserva el dibujo original, indica que puede suponerse que los amantes abrazados son Gustav Klimt y Emilie Flöge. Se trata de una propuesta de interpretación, no de un retrato biográfico confirmado. El abrazo final recuerda al de los amantes que cierran el «Friso de Beethoven», y el estilo del dibujo está estrechamente relacionado con «El beso».

La mansión Stoclet sigue siendo propiedad privada de la familia Stoclet y no está abierta al público, por lo que el diseño se puede ver en los cartones conservados en Viena. En 2012, con motivo del 150.º aniversario del nacimiento de Klimt, el MAK volvió a mostrar los nueve cartones conservados tras varios años de restauración. La exposición, titulada «La espera y la realización», se celebró del 21 de marzo al 15 de julio.

¿Quién fue Mäda Primavesi y cómo llegó su retrato a Nueva York?

Otto Primavesi, banquero e industrial de una de las familias más ricas de Moravia, y su esposa Eugenia fueron mecenas del arte de vanguardia vienés. Entre 1912 y 1914 encargaron a Klimt los retratos de su hija y de la propia Eugenia. Mäda tenía nueve años cuando Klimt empezó a trabajar en su retrato.

Según contó la propia Mäda, ella y su madre viajaban regularmente a Viena para las sesiones de posado. Klimt realizó numerosos bocetos y probó distintas poses, prendas y motivos para el fondo antes de decidirse por la versión final. En el verano de 1913 entregó a la familia un recibo por un anticipo de 15.000 coronas para los dos retratos, el de Mäda y el de su madre.

En la obra terminada, Mäda lleva un vestido blanco con una decoración delicada. Emilie Flöge, diseñadora y compañera de Klimt, lo confeccionó por sugerencia del pintor. La familia también apoyó a la Wiener Werkstätte: Otto Primavesi ayudó a mantener económicamente el taller después de la marcha de su primer patrocinador, Fritz Waerndorfer. Los Primavesi estrecharon su relación con Klimt en la década de 1910 y lo invitaban a las fiestas de Navidad y Año Nuevo de su casa de campo en Winkelsdorf, diseñada por Josef Hoffmann.

El Metropolitan Museum of Art señala que la pose y la expresión de Mäda muestran una seguridad extraordinaria para una niña de nueve años. Esa seguridad coincide con la descripción que ella hizo de sí misma años después: una niña tozuda que prefería los juegos de chicos. La terquedad que recordaba sugiere que la seguridad del retrato era suya y no solo una señal de la riqueza familiar.

Otto Primavesi fue propietario del cuadro desde 1913 hasta su muerte en 1926, y después lo conservó su viuda Eugenia. La familia tuvo que vender varios cuadros de su colección de Klimt, probablemente porque la Wiener Werkstätte no era rentable y su propio banco quebró. En 1928 el retrato pasó, a través de Hugo Bernatzik, a la Neue Galerie de Viena, que lo vendió a Jenny Pulitzer Steiner.

Los nazis confiscaron el retrato a Jenny Pulitzer Steiner en Viena en 1938, y se lo restituyeron en 1951. En 1964 ingresó en el Metropolitan Museum of Art de Nueva York como donación de André y Clara Mertens, en memoria de la madre de Clara, su antigua propietaria. El original se expone en la sala 800 del Met.

Vuelve a mirar las siete obras y elige la obra que te gustaría colgar en tu pared por su historia, no solo el oro que reconociste al principio.

¿Sabías que…?

• Klimt comenzó su carrera junto a su hermano Ernst y su amigo Franz Matsch, en un equipo llamado Compañía de Artistas, pintando murales en grandes edificios públicos.
• El «Friso de Beethoven» se considera la primera obra de la etapa dorada de Klimt. Combina pintura y oro con estuco dorado, botones de nácar, fragmentos de espejo y piedras semipreciosas, sobre una capa de mortero aplicada a un cañizo.
• Según la historiadora del arte Alessandra Comini, en 1902 los visitantes podían reconocer a Gustav Mahler en el caballero con armadura dorada del friso.
• «Filosofía» de Klimt, uno de los tres cuadros para la universidad, ganó una medalla de oro en la Exposición Universal de París, pero fue atacada por muchos críticos en Austria.
• Klimt realizó cientos de bocetos y estudios para sus tres cuadros de la Universidad de Viena en la década de 1890.
• Eduard Pernkopf, rector nazi y anatomista, apoyó la devolución de los cuadros de las facultades a la universidad antes de su traslado al castillo de Immendorf.
• Una reseña publicada en un periódico de Viena el 9 de enero de 1916 describió el retrato de una niña de unos diez años con un vestido blanco. La base de datos de Klimt lo identifica como el retrato de Mäda Primavesi.

Respuestas a tus preguntas sobre Gustav Klimt

¿Por qué se destruyó «Medicina» de Klimt? El cuadro, con Higía en la parte inferior, fue confiscado a sus propietarios judíos en 1938 junto con las otras dos obras universitarias. Durante la guerra los tres cuadros se mostraron en una exposición en Viena y después se almacenaron. Más tarde se trasladaron al castillo de Immendorf, en Baja Austria, donde un incendio los destruyó el 8 de mayo de 1945.

¿Qué escenas mitológicas pintó Klimt? «Judith y la cabeza de Holofernes» y la figura de Higía proceden de fuentes bíblicas y clásicas. Klimt también recurrió a los mitos griegos en obras como su «Dánae», una figura recostada y envuelta en telas de pliegues ondulantes. Puedes colgar una lámina de ese cuadro en tu propia pared.

¿Cuáles son las obras más sensuales o eróticas de Klimt? «El beso» y «La realización» tratan el amor con ternura, pero la carga erótica de su obra se expresa de forma más directa en sus desnudos. «Serpientes de agua II», con sus figuras femeninas entrelazadas y sus cabelleras ondulantes, pertenece a esa línea. Encontrarás más ejemplos en nuestra colección de láminas eróticas vintage.

¿Cuánto valen los cuadros de Klimt? Los precios varían mucho de una obra a otra. El «Retrato de Adele Bloch-Bauer I» se vendió en 2006 por 135 millones de dólares estadounidenses, una cifra que entonces batió el récord de precio de un cuadro. El comprador, Ronald Lauder, solo quiso confirmar públicamente que había pagado más que el récord anterior de 104,2 millones de dólares, alcanzado por «Muchacho con pipa» de Picasso.

¿Pintó Klimt a Adele Bloch-Bauer más de una vez? Sí. Existe un segundo retrato, «Adele Bloch-Bauer II». WikiArt fecha el encargo de ese retrato en 1912. Klimt también la pintó como Palas Atenea.

¿Qué marco le va bien a un póster de Klimt? Para las obras de Klimt en las que predomina el oro, preferimos un marco negro, que hace resaltar los dorados. Nuestro marco negro de aluminio lleva una protección de metacrilato. Si lo pides junto con un póster, te enmarcamos el póster sin coste adicional.

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Sobre el autor

Somos el equipo de Moryarty. Desde 2015 recopilamos pósters vintage en bibliotecas, museos, colecciones digitales, colecciones privadas y mercados. Los restauramos uno a uno a mano y los imprimimos nosotros en nuestro taller de Barcelona, sobre papel fine art de calidad museística. El oro y los motivos de Klimt dependen de la precisión del color. Al restaurar las obras, cuidamos de no modificar nunca el diseño original ni sus colores, justo lo que estas obras necesitan.

Fuentes

• Neue Galerie New York, «Retrato de Adele Bloch-Bauer I»
• Colección del Belvedere en línea, Gustav Klimt
• Colección del Belvedere en línea, «Judith»
• Colección del Belvedere en línea, «Der Kuss (Liebespaar)»
• Secession, «Friso de Beethoven»
• Google Arts & Culture, «Friso de Beethoven»
• Google Arts & Culture (Belvedere), «El beso»
• Google Arts & Culture (Biblioteca Nacional de Austria), Gustav Klimt y la Kunstschau de 1908
• Google Arts & Culture, «Adele Bloch-Bauer I»
• Google Arts & Culture (MAK), Nueve cartones: parte 8, «La realización (Los amantes)»
• Google Arts & Culture (Albertina), Estudios de Klimt para «La espera» en el friso Stoclet
• Google Arts & Culture (The Met), El retrato de Mäda Primavesi de Klimt
• The Metropolitan Museum of Art, Gustav Klimt, «Mäda Primavesi»
• The Met Custom Prints, «Mäda Primavesi» de Gustav Klimt
• MAK, Gustav Klimt: «La espera y la realización»
• Wikipedia, Cuadros de Klimt para el techo de la Universidad de Viena
• Wikipedia, «Judith I»
• Wikipedia, «Retrato de Adele Bloch-Bauer I»
• Wikipedia, «Friso Stoclet»
• Wikipedia, «Friso de Beethoven»
• Wikipedia, Neue Galerie New York
• Jewish Women's Archive, Adele Bloch-Bauer
• Jewish Currents, Las modelos judías de Gustav Klimt
• PMC, Gustav Klimt y la Escuela de Medicina de Viena
• PMC, Ciencia, arte, sociedad y los cuadros de Klimt para la Universidad de Viena
• Universidad Médica de Viena, Gustav Klimt y la Escuela de Medicina de Viena
• Factum Arte, «Medicina»
• Springer, Gustav Klimt y la Escuela de Medicina de Viena
• Springer, «Gustav Klimt und die Medizin»
• Classical Music, Sexo, escándalo y la extraña historia del «Friso de Beethoven»
• Australian Chamber Orchestra, Gustav Klimt y Beethoven
• 19th-Century Art Worldwide, El año de Klimt en Viena, segunda parte
• The Art Newspaper, La tortuosa historia del «Friso de Beethoven» de Gustav Klimt, saqueado por los nazis
• Vienna Info, El «Friso de Beethoven» de Klimt
• Parkstone, Poder, juicios y nazis: la historia de «Adele Bloch-Bauer I»
• Klimt-Datenbank, Gustav Klimt en su apogeo
• Klimt-Datenbank, La familia Primavesi
• Klimt-Datenbank, Los últimos años
• Web Gallery of Art, Friso Stoclet: «La realización» de Klimt
• Teacher Curator, El retrato de Mäda Primavesi
• Wikidata, Mäda Primavesi (1903–2000)
• WikiArt, «Retrato de Adele Bloch-Bauer I», 1907
• Artvee, «Higía»
• Secession NYARC, Entrada del catálogo de «Judith und Holofernes», 1901