EGON SCHIELE|8 MIN DE LECTURA
Quién fue Egon Schiele
Una biografía clara del expresionista austriaco que repasa su formación, su relación con Gustav Klimt, sus radicales dibujos de figuras, sus grandes obras y su temprana muerte.
AUTOR MORYARTY
Nacido en Austria en 1890, Egon Schiele se convirtió en uno de los artistas fundamentales del expresionismo vienés antes de morir a los 28 años. Sus retratos, autorretratos y dibujos de figuras sustituyeron los ideales académicos de belleza por cuerpos angulosos, piel expuesta y una observación psicológica directa.
Su carrera se desarrolló durante los últimos años del Imperio austrohúngaro. Incluyó formación académica en Viena, el apoyo de Gustav Klimt, su encarcelamiento por un dibujo erótico, el servicio militar durante la Primera Guerra Mundial y una gran exposición poco antes de que la pandemia de gripe de 1918 acabara con su vida.
El artista de un vistazo
Trabajó principalmente sobre papel con lápiz, lápiz negro, gouache y acuarela. A menudo trazaba un contorno continuo alrededor del cuerpo, añadía color en zonas concretas y dejaba intacta buena parte de la hoja. El papel visible aísla la figura de cualquier habitación o entorno reconocible.
Los retratos y los cuerpos humanos dominan la obra que se conserva de él. Entre sus modelos figuraron familiares, mecenas, niños, trabajadoras sexuales, otros artistas, su amante Walburga 'Wally' Neuzil y su esposa Edith Harms. También examinó su propio aspecto en decenas de autorretratos, en los que solía alterar la postura, la expresión facial y la edad aparente.
Las imágenes pueden parecer espontáneas, pero las composiciones estaban cuidadosamente controladas. Manos, codos y rodillas se extienden con frecuencia hacia los bordes del papel. Un pie o un brazo recortados solían responder a una decisión compositiva deliberada, no a un estudio inacabado.
Sus primeros años en Austria
Nació el 12 de junio de 1890 en Tulln an der Donau, una localidad ferroviaria al noroeste de Viena. Su padre, Adolf Schiele, era jefe de estación. Su madre, Marie Soukup, procedía de Krumau, la actual Český Krumlov, en la República Checa.
Los ferrocarriles aparecieron una y otra vez en sus dibujos infantiles. La familia vivía cerca de las vías, y los cuadernos escolares que se conservan contienen bocetos de locomotoras y vagones. Según se cuenta, su padre destruyó algunos dibujos porque los consideraba una distracción de los estudios.
Adolf padecía sífilis y murió en 1905. Leopold Czihaczek, tío materno del joven, se convirtió entonces en su tutor legal. Czihaczek quería que siguiera una profesión estable, pero acabó aceptando su solicitud de ingreso en una escuela de arte.
En 1906, con 16 años, ingresó en la Academia de Bellas Artes de Viena. Estudió con Christian Griepenkerl, un pintor vinculado a los temas históricos y alegóricos. La academia exigía a sus alumnos copiar moldes de yeso y seguir las normas establecidas para dibujar el cuerpo humano.
Aquel sistema le resultaba frustrante. En 1909 abandonó la academia y contribuyó a fundar la Neukunstgruppe, o Grupo de Arte Nuevo, junto con compañeros como Anton Peschka y Franz Wiegele. Su primera exposición se celebró ese mismo año en el Kunstsalon Pisko de Viena.
Gustav Klimt le abre las puertas
Cuando el adolescente ingresó en la academia, Gustav Klimt era el principal pintor moderno de Viena. Klimt había roto con la conservadora Künstlerhaus en 1897 y había contribuido a fundar la Secesión de Viena, una asociación expositiva que promovía el arte nuevo de Austria y del extranjero.
Los dos artistas se conocieron hacia 1907. Klimt animó al joven, adquirió dibujos y le presentó a mecenas y modelos. También participó en la Internationale Kunstschau de 1909, donde estuvieron representados Klimt, Oskar Kokoschka, Edvard Munch y Vincent van Gogh.
La influencia de Klimt resulta evidente en las primeras obras. Los fondos planos, las prendas estampadas y las siluetas alargadas reflejan el lenguaje decorativo asociado a la Secesión. El retrato de 1908 conocido habitualmente como Cabello rojo y sombrero azul pertenece a esta etapa, cuando los tejidos ornamentales todavía competían con el rostro y el cuerpo de la modelo.
Klimt no convirtió a su protegido en un imitador. Le ofreció contactos y apoyo profesional sin imponerle un único método. Hacia 1910, el joven pintor había eliminado de sus imágenes buena parte del oro, los ornamentos y el elegante ritmo de las superficies.
Una línea más dura toma forma
El cambio se hizo visible en los autorretratos de 1910. Los cuerpos se volvieron más delgados, las articulaciones más afiladas y la piel quedó marcada con verde, rojo u ocre. El lápiz negro creó un contorno seco y quebrado, distinto de las líneas más suaves de Klimt.
El color se aplicaba de forma selectiva, en lugar de modelar el cuerpo entero. Una mejilla, un pezón, un nudillo o un mechón de pelo podían recibir varias pinceladas concentradas mientras el papel circundante permanecía desnudo. Esa economía otorgaba a los pequeños dibujos la fuerza visual de pinturas mucho mayores.
En 1911 se trasladó con Wally Neuzil a Krumau, lugar de nacimiento de su madre. Los vecinos rechazaron tanto a la pareja soltera como la presencia de modelos jóvenes en su estudio. Ese mismo año se marcharon a Neulengbach, al oeste de Viena.
La policía lo detuvo en Neulengbach en abril de 1912 después de que una adolescente pasara una noche fuera de casa en su compañía. Los cargos por secuestro y conducta sexual indebida fueron desestimados, pero fue condenado porque varios dibujos eróticos habían estado al alcance de menores. Pasó 24 días bajo custodia, incluido el periodo anterior al juicio, y el juez quemó un dibujo en la sala.
El encarcelamiento no puso fin a su carrera, pero cambió sus circunstancias. Regresó a Viena y pasó a depender más de coleccionistas consolidados, entre ellos el industrial August Lederer y el marchante Hans Goltz. Los retratos por encargo y las exposiciones le ofrecieron ingresos más estables que los acuerdos informales de estudio utilizados en Neulengbach.
Después llegó un cambio personal. En 1914 estrechó su relación con Edith Harms, que vivía con su familia enfrente de su estudio vienés. Rompió con Wally y se casó con Edith el 17 de junio de 1915, tres días antes de incorporarse al servicio militar.
Sus obligaciones perjudicaron menos su trabajo de lo que lo habría hecho un destino en primera línea. Vigiló a prisioneros rusos cerca de Mühling y más tarde trabajó en oficinas militares de suministros. En ocasiones, los oficiales le permitían dibujar, y durante el servicio realizó retratos de prisioneros y compañeros.
Grandes obras de una carrera breve
Madre muerta I, pintada en 1910, pertenece a su primera etapa independiente. Presenta un oscuro cuerpo materno que envuelve a un bebé vivo, invirtiendo la calidez propia de una composición convencional de la Virgen con el Niño. El tema enlaza con su tratamiento recurrente del embarazo, el nacimiento y la mortalidad.
Autorretrato con physalis, de 1912, muestra al artista vestido de negro junto a una rama de farolillos chinos naranjas. El rostro pálido, el hombro elevado y el torso recortado crean una postura alerta y reservada. El Leopold Museum de Viena conserva la pintura como parte de su amplia colección de obras del artista.
Retrato de Wally Neuzil, también pintado en 1912, muestra a Wally con una mirada directa sobre un fondo pálido. La historia posterior de su propiedad llegó a ser casi tan conocida como la imagen. El cuadro fue incautado en Nueva York en 1998 mientras estaba cedido al Museum of Modern Art, lo que dio lugar a un largo litigio por su restitución que concluyó con un acuerdo en 2010.
Los ermitaños, de 1912, presenta dos figuras oscuras de cuerpo entero apretadas una contra otra. La segunda suele asociarse con Klimt, aunque la pintura no es un doble retrato literal. El artista la describió más tarde como una imagen de duelo, y su superficie casi monocroma difiere de sus acuarelas más luminosas.
La muerte y la doncella fue pintada en 1915, después de su ruptura con Wally y su boda con Edith. Una mujer se aferra a una figura masculina vestida con una túnica sobre un terreno desnudo. El título utilizado hoy vincula el abrazo con la separación y la muerte, asuntos que se convirtieron en realidades inmediatas durante la guerra.
Mujer sentada con la rodilla flexionada, de 1917, muestra a Edith con medias de rayas y una prenda verde holgada. El cuerpo está visto desde arriba, una perspectiva que convierte las extremidades flexionadas en la estructura de la composición. La Albertina de Viena conserva el dibujo realizado con gouache y lápiz negro.
La familia, pintada en 1918, comenzó como un retrato doble y fue revisada para mostrar a un hombre, una mujer y un niño. La figura masculina se parece al artista, mientras que la mujer no es un retrato directo de Edith. El niño era imaginario, ya que Edith estaba embarazada cuando murió y la pareja no tuvo hijos que llegaran a nacer.
Del reconocimiento al desastre
La 49.ª exposición de la Secesión de Viena, celebrada en marzo de 1918, le reservó la sala principal. Diseñó el cartel de la muestra y presentó 50 obras. Después llegaron las ventas y los encargos, que afianzaron su posición profesional tras la muerte de Klimt el 6 de febrero de aquel año.
Aquel éxito duró solo unos meses. Edith, embarazada de seis meses, murió de gripe el 28 de octubre de 1918. Su marido falleció por la misma enfermedad el 31 de octubre, tres días después. Fue enterrado en el cementerio de Ober Sankt Veit, en Viena.
Su temprana muerte dejó una producción concentrada en aproximadamente una década. Hoy los museos consideran sus dibujos obras acabadas, no simples preparativos secundarios para pinturas. Los fondos vacíos, los contornos quebrados y las posturas comprimidas influyeron en artistas posteriores interesados en la vulnerabilidad física, como Francis Bacon, Lucian Freud, Jenny Saville y Tracey Emin.
Los museos y coleccionistas también deben afrontar la procedencia de las obras que pasaron por Austria durante y después del régimen nazi. La disputa por Retrato de Wally contribuyó a centrar la atención pública en la investigación de procedencias, la restitución y la pérdida forzosa de colecciones pertenecientes a familias judías.
Los expresivos dibujos de figuras de Schiele en el interiorismo
Estas obras funcionan en interiores donde el papel y la línea pueden conservar su presencia. Una pared de galería muy cargada puede restar fuerza a un pequeño dibujo de figura, mientras que una sola lámina con bastante espacio a su alrededor mantiene el aislamiento de la hoja original. Nuestra colección de Schiele incluye retratos, figuras sentadas y diseños para exposiciones, y la lámina de la exposición de la Galerie Arnot funciona especialmente bien por sí sola.
El aluminio negro acompaña bien sus contornos oscuros y firmas manuscritas. El perfil estrecho de un marco de aluminio negro evita introducir tallas decorativas que compitan con el dibujo. El enmarcado gratuito está disponible, aunque el aluminio puede resultar demasiado severo en estancias dominadas por maderas cálidas y tejidos. En esos espacios, un marco de pino claro ofrece un aspecto más suave junto a paredes color crema, muebles de roble y textiles naturales.
Una advertencia sincera sobre los paspartús: conviene evitar aquellos cuya ventana recorte una mano, una firma o un margen amplio de papel. Esos márgenes vacíos forman parte de la composición, no son espacio sobrante. Quienes acuden a nosotros buscando a Schiele casi siempre prefieren las hojas más pequeñas e íntimas. Por eso, un discreto formato A4 o de postal suele funcionar mejor en la pared que una lámina ampliada a gran tamaño, capaz de diluir la tensión de la línea original.
¿Sabías que...?
- Su casa natal, situada en la antigua estación de ferrocarril de Tulln, es hoy un museo dedicado a su vida y obra.
- Celebró su primera exposición pública en 1908, en el Monasterio Imperial de Klosterneuburg, cuando tenía 18 años.
- Su hermana menor Gerti posó a menudo para sus primeros retratos y más tarde se casó con Anton Peschka, amigo suyo de la academia.
- Klimt murió en febrero de 1918, y Schiele realizó varios dibujos del rostro y las manos de su mentor en el depósito de cadáveres del hospital.
- El Leopold Museum conserva 42 pinturas y más de 180 obras sobre papel, la mayor colección museística dedicada al artista.
- Su cartel para la Secesión de 1918 representa a varios artistas sentados alrededor de una mesa, con su propia figura ocupando un lugar destacado en la cabecera.
Respuestas rápidas a preguntas frecuentes
¿Dónde puedo ver su obra en persona? El Leopold Museum y la Albertina de Viena conservan importantes conjuntos de pinturas y dibujos. El Belvedere de Viena, la Neue Galerie de Nueva York y el Museum of Modern Art de Nueva York también exponen ejemplos destacados. Viena es la única ciudad donde puedes ver pinturas, obras sobre papel y material de archivo en un mismo viaje.
¿Cómo puedo distinguir un dibujo original de una reproducción? Una firma impresa no demuestra nada, porque se reproduce junto con la imagen. Un original requiere una cadena de propiedad documentada, el examen del papel y los pigmentos, y la comparación con el catálogo razonado de Jane Kallir, la obra de referencia que asigna un número K a cada pieza autenticada.
¿Cuánto cuestan las pinturas originales? Casas con ropa de colores se vendió en Sotheby's de Londres por 24,7 millones de libras en 2011. Las obras sobre papel suelen costar menos que los grandes óleos, pero las piezas autenticadas también pueden alcanzar precios de seis o siete cifras.
¿Realizó obra gráfica en vida? Sí, aunque su producción de aguafuertes, puntas secas, litografías y xilografías fue pequeña en comparación con sus dibujos. Los compradores deben distinguir esas obras gráficas realizadas en vida de las reproducciones digitales modernas creadas a partir de pinturas u obras sobre papel. Una reproducción artística es la opción sensata para la mayoría de los interiores, ya que incluso un dibujo original modesto queda fuera de un presupuesto destinado a decoración.
¿Las imágenes están libres de derechos de autor en Europa? Los derechos de autor de las obras originales han caducado porque el artista murió en 1918. Una fotografía reciente o un escaneado digital de un museo pueden estar sujetos a condiciones de uso independientes, por lo que los derechos de publicación deben consultarse con la institución que haya facilitado la imagen.
Sobre el autor
MORYARTY selecciona reproducciones de pósters vintage desde 2015. Nuestro equipo trabaja entre Barcelona y Lisboa y lleva más de una década estudiando carteles de exposiciones europeos, el dibujo expresionista y las diferencias prácticas entre las imágenes de museo y las láminas pensadas para espacios domésticos.